El cine que vendrá: 33 Días

Son muchas las películas que se han hecho sobre Pablo Picasso y sobre su obra, pero hay algo de lo que no cabe duda alguna: que en los años futuros se harán muchas más. Y será así porque, aun a día de hoy, tras cuarenta años sin el genio entre nosotros, su persona sigue siendo un ente magnético que atrae a todo el que  se acerque y su obra sigue despertando la intriga y el misterio entre los que la admiran.

El proyecto más cercano al presente es el largometraje que Carlos Saura está preparando desde el año 2012 en estrecha colaboración con Elías Querejeta. La dirección corre a cargo del primero, mientras que el guión lo elaboraron ambos junto con Louis-Charles Sirjacq. De la fotografía se ocupará el oscarizado Vittorio Storaro. La película, que fue presentada en el festival de Cannes en 2011 por su propio director, se rodará entre España (en junio de 2012 Saura estuvo buscando localidades de rodaje en el mismo Guernica) y Francia, aunque la fecha de comienzo del rodaje aun no se ha confirmado, es más, debía haber comenzado en septiembre del 2012. Es posible que finalmente se lleve a cabo a finales de este año o a comienzos del que viene.

1937, un Picasso que dirige el Museo del Prado recibe un encargo del gobierno republicano: necesitan un cuadro para el pabellón español de la Exposición Internacional de París. Durante un tiempo no sabe si qué hacer, hasta que en abril de ese mismo año tiene lugar un suceso terrible que le hace reaccionar: la aviación alemana e italiana bombardean Guernica. La noticia da la vuelta al mundo y aparece en la prensa internacional. El suceso da pie a Picasso para pintar un cuadro como nunca antes se había hecho: el 1 de mayo alquila un estudio en la Rue Grands Agustins y comienza a pintar su obra cumbre, el Guernica. Es un periodo de intenso trabajo pero también de cambio respecto a su vida sentimental con la aparición de Dora Maar, una mujer que representa todo lo contrario a Marie-Thérèse Walter, madre de su hija Maya. Maar, además de amante, será fundamental para el Guernica, ya que como fotógrafa profesional, se dedica a fotografiar el periodo de gestación del cuadro. Es muy posible que en la película se incluya la pelea que tuvo lugar entre las dos en el estudio de Picasso mientras éste trabajaba en el cuadro, una escena que ya pudimos ver en Sobrevivir a Picasso (James Ivory, 1996), en la cual además pudimos ver brevemente al pintor en pleno proceso de trabajo.

Lógicamente, el apartado interpretativo al comienzo del proyecto era una incógnita. La idea era buscar tanto actores españoles como franceses, prestando especial atención primero a la figura de Picasso y después a la de la gente que le rodeaba, tanto sus amantes como sus ayudantes, amigos e intelectuales de su círculo. A mediados del 2012 las noticias de la película en la prensa aumentaron considerablemente: Antonio Banderas estaba en negociaciones para unirse al proyecto interpretando al pintor malagueño. Una vez que se convirtió en algo de hecho, las noticias en la prensa internacional también fueron creciendo debido a la fama internacional del actor.

Banderas decidió documentarse a fondo para preparar este personaje de tan magna envergadura, pero no quería quedarse en los libros, en la frialdad del papel y de las biografías. Es por ello que comenzó a tomar clases de pintura, llegando a decir: “Quiero acabar oliendo a pintura, quiero oler a aguarrás, quiero oler a Picasso”. Trabajó el guión tanto en español como en francés. Picasso es una figura que atrae mucho al malagueño, le fascina, y asegura que aunque le  impone mucho, no teme su interpretación. Además de todo eso, llegó a contactar con Paloma Picasso, la hija del artista, para tener un acercamiento a su personaje lo más vivo posible. En muchas entrevistas cuenta que, cenando juntos en Los Ángeles, ella cerraba los ojos para escucharle hablar porque decía que le recordaba a su padre, porque tenía el mismo acento malagueño que el pintor conservaba aun residiendo en París.

Sobre quién interpretaría a las amantes de Picasso en el momento que retrata la película nada se sabía, tal vez que el papel Marie-Thérèse Walter correría a cargo de alguna actriz francesa. Tras las pertinentes negociaciones, en marzo de 2012 se confirmó que Gwyneth Paltrow interpretaría a Dora Maar, figura fundamental para la película como fotógrafa además de amante, ya que documentó todo el proceso de formación y transformación del Guernica. Fue una sugerencia del propio Banderas al director. No hay muchos más actores confirmados. Entre el cast español se puede destacar a Imanol Arias en el papel de José Bergamín y a Bárbara Goenaga en el de una de las ayudantes del pintor malagueño.

Por el momento no se tienen muchas más noticias sobre este filme sobre la gestación del Guernica y las circunstancias que rodearon al pintor y a su encargo en esos momentos. En cualquier caso, la producción cuenta con una interesante página web que contiene un gran libreto de prensa con numerosas noticias sobre la película, los actores, el guionista y el director, incluyendo entrevistas de los mismos. Un gran trabajo de recopilación de información para todo el que quiera saber algo del proyecto. Sólo falta por saber la fecha de rodaje y de estreno de un proyecto que se espera con gran expectación.

Enlaces de interés:

http://www.guernica33days.com/

http://www.imdb.com/title/tt2258237/

http://www.historiadelarte.us/pintores/guernica/pablo-picasso-historia-guernica-1.html

El dossier de prensa así como el cartel lo podéis encontrar en la página web de la película. Aquí os dejo el link directo al dossier:

http://www.guernica33days.com/pressbook.html

Cristina R. L.

Esencía de verbena (1930)

Con este corto llamado Esencia de verbena, de 1930, podemos ver a través de doce estampas de cuatro autores como Goya, Picasso, Maruja Mallo y Francis Picabia las diferentes verbenas que se celebraban en Madrid por esos años.

Aquí realmente la figura de Picasso es usada para ilustrar una de esas verbenas, o más bien, para dar paso a modo de cortina de inicio para la explicación de una de estas fiestas, pues únicamente podemos ver una obra cubista (minuto 00:29) de Picasso que da paso a una de esas verbenas.

Por ello este corto no nos sirve para estudiar sobre la figura y obra de Picasso, pero sí para ver que ya por los años 1930 era una figura de gran importancia dentro del mundo artístico español y que tenía una gran fama y consideración, pues es nombrado con otro de los grandes pintores españoles como Francisco de Goya, además de la pintora surrealista Maruja Mallo y el pintor francés Francis Picabia.

Dibujo

http://www.youtube.com/watch?v=SpaUF2kpv_Y Video Esencia de Verbena (1930)

Omar. O.C.

Picasso and dance. II.

Picasso and dance.

Título: Picasso and Dance.

Tipo: TV movie documental. DVD.

Directores: Didier Baussy, Yvon Gérault.

Duración: 81 min.

Año: 2005

País: Francia.

En esta nueva entrada, nos centraremos en la segunda obra que se encuentra reproducida por el ballet de la Ópera de París: Le Tricorne (El sombrero de Tres Picos).

Ésta está basada en la música de Manuel de Falla para el Sombrero de Tres Picos, novelita corta de Pedro Antonio de Alarcón, la cual encajaba con la idea de los Ballets Rusos de realizar un ballet completamente español tras haber realizado una visita por el país. Se estrenó en Londres en Julio de 1919 en el Alhambra Theater y produjo una explosión de lo español. Nota curiosa de la preparación de este ballet es la necesidad que tuvo el coreógrafo, Massine, de aprender de un bailarín español: Félix Fernández, pasos típicos españoles como era el zapateado. Éste se hizo demasiadas ilusiones con ser una estrella de los Ballets Rusos y al darse cuenta de que su colaboración fue solo como maestro, se volvió loco.

La colaboración de Picasso en esta obra fue, como en Parade, tanto en el diseño del vestuario, del que se conservan muchos bocetos, como en la escenografía. En estos vestuarios se dirá que las referencias son goyescas, se asemejarán a las majas y majos de Goya, además dicha influencia se vio a nivel coreográfico en la escena basada en el cartón del Pelele (a partir del minuto 1:15:00 comienza esta escena en el DVD).

Crea para el escenario un paisaje ideal, serrano y montañoso, en el que el puente va ganando protagonismo y enmarcando dicha escena, frente al paisaje del fondo que va disminuyendo en la evolución de las maquetas y bocetos. En esta creación de Picasso, se advierte, además, la experiencia del collage y sugiere la disposición de los bastidores del teatro trabajando la superposición de planos.

Para el telón de El Sombrero de Tres Picos, también incluirá arcadas, pero ya no serán de un puente sino de una Plaza de toros. En uno de los bocetos no hay nadie, está vacío, pero en el definitivo introduce un grupo formado por un hombre, cuatro mujeres y un niño que vende fruta, en la arena se ve el final de una corrida –se retira al toro muerte- lo significativo es la introducción del espectador como personaje en el telón. El pintor de los decorados de los Ballets Rusos dirá asombrado: “Después de tanto tiempo con la escenografía de Baskt la austera sencillez del decorado de Picasso me resultó asombrosa”.

Nuestro pintor malagueño también participó en la obra de Pulcinella de 1920, estrenada en el Théâtre National de l’Opéra de París y que era un homenaje a la commedia dell’arte de la que habían disfrutado en su estancia en Nápoles. Los primeros diseños que mostró Picasso para la escenografía no gustaron nada a Diaghilev, quien los rechazó de malas maneras e incluso pisoteó. Tras un tira y afloja entre empresario y artista, finalmente, Picasso accedió a volver a realizar la escenografía, esta vez no centrándose tanto en el marco y la idea de teatro dentro del teatro que en los primero bocetos había explotado.

Del vestuario es significativa la máscara, que es herencia de las típicas llevadas por los pulcinellas, polichinelas, tradicionales, las cuales reinterpretó con un lenguaje moderno y muy ligada su escultura cubista, ya observada en los Manager de Parade.

En último lugar, la última creación de Picasso, no debemos olvidar la obra Cuadro flamenco, que se contraponía a El sombrero de Tres Picos, pues no era una estilización de la tradición española, sino los bailes originales. En esta obra no había coreografía ni participaban los bailarines de la compañía, era una serie de danzas -9 danzas típicas españolas: malagueñas, tango gitano, farruca, jota aragonesa, alegría, garrotín grotesco, garrotín cómico y sevillanas- que tenía entre sus bailarines a María Albaicín, El Tejero, La López o El moreno, entre otros bailaores españoles. Se pensó primero en Juan Gris para los decorados, pero Picasso se adelantó y realizó todos los diseños de esta obra. Los decorados propuestos eran una adaptación de los proyectos rechazados para Pulcinella: idea del teatro dentro del teatro. Fachada de un teatro, sucesión de marcos, delante unas pilastras, el techo con un marco, los palcos enmarcados. Éstos son reseñables, ya que uno de ellos es una parodia del cuadro impresionista El Palco de Renoir.

Picasso, en esta serie de colaboraciones, como hemos podido apreciar, se enfrentó siempre al problema de lo popular y de lo español, en gran parte de ellas. Representó, como la Europa decimonónica contempla la españolada, los europeos que inventan y propagan la españolada. Para todo ello, utiliza los medios del cubismo a través de los cuales crea distancia, el como un músico del romanticismo cita una melodía popular, hace lo propio en sus escenografías y vestuarios citando los temas populares. Para el esta representación serán mascaradas.

Fuentes y más información de las entradas Picasso and dance:

Dos fragmentos de las obras que se encuentran en el DVD:

Le Tricorne, La Farruca: 

Le Train Bleu – Elisabeth Maurin, Nicolas Le Riche: 

MURGA CASTRO, Idoia, Escenografía de la Danza en la Edad de Plata, 1916-1936, CSIC-Press, 2009.

VV.AA., Los Ballets Rusos de Diaghilev 1909/1929. Cuando el arte baila con la música, Barcelona; Madrid, Fundación “la Caixa”: Turner, D.L. 2011.

VV.AA., El teatro de los pintores en la Europa de las vanguardias, Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: Aldeasa, 2000.

Otro libro acerca de los Ballets Rusos, esta vez en relación con el artista Mariano Fortuny: OSMA, Guillermo de, Fortuny, Proust y los Ballets Rusos, Editorial Elba, 2010.

Exposición CaixaForum Madrid: Los Ballets Rusos de Diaghilev 1909/1929. Cuando el arte baila con la música:

– Audio: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?view=audio

– Fotos: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?obj=816,c,15644&view=photo

– Vídeos: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?obj=816,c,15644&view=videos

Conferencia de Guillermo Solana “Picasso y los Ballets Rusos” durante el Ciclo: Bajo la estrella de Diaghilev en la Fundación Juan March, 24/04/1997. http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?id=2395

Página web sobre la historia de los Ballets Rusos (destaca por los vídeos que contiene): http://www.russianballethistory.com/

Los Ballets Rusos en el  Victoria and Albert Museum de Londres:

–  http://www.vam.ac.uk/content/articles/0-9/20th-century-ballet-revolution/

http://www.vam.ac.uk/content/articles/d/diaghilev-and-the-ballets-russes/

Instalación del Telón de Le Train Bleu en el Victoria and Albert Museum: http://www.vam.ac.uk/content/videos/i/video-installing-the-le-train-bleu-backdrop/

Exposición en 2009 con motivo del centenario de la creación de los Ballets Rusos en la Houghton Library de Harvard College: Diaghilev’s Ballets Russes, 1909-1929: Twenty Years That Changed the World of Art

En 2008 tuvo lugar una gira bajo el nombre Picasso y la danza a cargo de la compañía Europa Danse cuyo programa estaba formado por las piezas de los Ballets Rusos en las que colaboró Picasso: http://www.artibus.es/content/teatro_picasso.php

Entre Diciembre de 2010 y Mayo de 2011 en la National Gallery of Australia tuvo lugar una importante exposición titulada Ballets Russes: the Art of Costumehttp://nga.gov.au/Exhibition/balletsrusses/Default.cfm

Con motivo de la exposición Picasso & Modern British Art se realizó una conferencia en referencia al trabajo del artista en el ballet, además se han realizado  recreaciones de las obras en las que participó y creación de nuevas piezas a cargo del English National Ballet. Información de esto aquí y vídeos de los ensayos aquí.

Alba S.A.

El robo de la Gioconda

Quizá uno de los episodios menos conocidos sobre la vida de Picasso es su implicación en el robo de uno de los cuadros más famosos en la Historia del Arte, la Gioconda de Leonardo da Vinci, producido el 21 de agosto de 1911 por el italiano Vincenzo Peruggia. En 2012 se estrenó una película que palió este desconocimiento: La banda Picasso, de Fernando Colomo. Se centra sobre todo en este episodio y la disyuntiva entre la amistad y el arte, a la que se ve sometido Picasso.

Hueco de la Gioconda en el Louvre

Hueco de la Gioconda en el Louvre

Lo que le motivó a llevar este acontecimiento a la gran pantalla fue su fascinación por Las Señoritas de Avignon. Y os preguntaréis ¿qué tienen que ver éstas con la Gioconda? Lo cierto es que poco. Pero en sus investigaciones descubrió que a raíz de la compra que hizo Picasso al belga Géry Pieret, el “Barón” en la película, de unas cabezas íberas en 1907 robadas por éste del Louvre, Picasso estuvo en el punto de mira de las autoridades francesas. Fue tal su entusiasmo que escribió catorce versiones del guión hasta llegar al definitivo. Como curiosidad, consiguió que los descendientes de Picasso cedieran 20 de sus cuadros, previo pago de los derechos.

Tres son las fuentes que pueden tomarse para conocer los hechos: en primer lugar el libro de Francis Steegmuller Apollinaire: Poet Among the Painters; en segundo las memorias que escribió Fernande Olivier, Picasso et se amis; y en tercer lugar todas aquellas noticias que salieron en los periódicos, como el Paris-Journal. A pesar de ello hay algunos vacíos en la narración de los hechos, los cuales Colomo ha rellenado de su propia imaginación. Sin embargo a la hora de perfilar los personajes, él mismo reconoce que ha tenido que “recortar” para llevar a buen término la película.

El causante de los problemas con la justicia de Picasso y Apollinaire fue Pieret, quien como digo, vendió a Picasso un par de cabezas de piedra. Según el testimonio de Fernande, Picasso no sabía la procedencia de estas piezas, pero su precipitado regreso a París a principios de septiembre de 1911 desde Céret y su preocupación por el asunto, hacen pensar que la información que transmite Fernande no es del todo cierta.

Ignacio Mateos como el joven Picasso y Pierre Bénézit como Apollinaire

Ignacio Mateos como el joven Picasso y Pierre Bénézit como Apollinaire

 Es lógico que estuviesen preocupados porque vistos los antecedentes de Pieret, la policía podría pensar que ellos eran cómplices. Tampoco es de extrañar que las autoridades tuviesen alguna duda: Picasso había revolucionado el arte con el Cubismo, totalmente contrario al arte renacentista que encarna la Mona Lisa, y Apollinaire había expresado en una de las veladas de poesía de Paul Fort en la Closerie des Lilas que “todos los museos deberían ser destruidos porque paralizan la imaginación”.

Apollinaire fue arrestado, como posible integrante o conocedor de una banda internacional cuyo objetivo era “esquilmar nuestros museos”, en palabras del periódico Le Matin, a fecha del 9 de septiembre de 1911, y por tanto sospechosos principales de haber robado el cuadro de Leonardo. En sus declaraciones presionado por la policía, mencionó a Picasso, y éste fue requerido en el juzgado donde solo permaneció un día, y declaró que no conocía a Apollinaire, aunque según testimonio de éste, al final consiguió que Picasso admitiera que todas sus declaraciones eran verdad y así salió de prisión días después.

Picasso dejó testimonio del asunto muchos años después, en el Paris-Presse del 20 de junio de 1959: “Ahora lo puedo admitir. No me porté bien con “Apo” en una ocasión. Fue después del caso del robo de la Mona Lisa. […] Y le arrestaron. Naturalmente nos confrontaron. Sigo viéndolo allí, con las esposas y su aspecto de niño grande y plácido. Me sonrió cuando entré, pero yo no hice el menor gesto. […] Cuando el juez me preguntó: “¿Conoce a este caballero?”, de repente me sentí terriblemente asustado y, sin saber lo que decía, respondí: “No lo he visto en mi vida”. Vi cómo cambiaba la expresión de Guillaume. Se le fue la sangre de la cara”.

¿Por qué Picasso traicionaría a su amigo? Lo lógico es pensar que por su propia seguridad, y quizás eso es lo que sentiría en el momento concreto que le preguntaron por Apollinaire. Pero ¿hasta qué punto era consciente de que su incipiente fama podía verse afectada? ¿Es, como plantea Fernando Colomo, fruto de su elección por el arte?

Entrevistas:

http://www.youtube.com/watch?v=7tvyHR4CGaU

http://www.youtube.com/watch?v=ue3w00zplPA

http://www.publico.es/culturas/449310/colomo-picasso-fue-un-muerto-de-hambre-y-casi-un-terrorista

http://cinemaadhoc.info/2013/01/presentacion-la-banda-picasso/

MAILER, N., Picasso: Retrato del artista joven, Madrid, Santillana, 1997.

Estefanía R.N

 

 

 

Picasso and dance. I.

Picasso and dance.

Título: Picasso and Dance.

Tipo: TV movie documental. DVD.

Directores: Didier Baussy, Yvon Gérault.

Duración: 81 min.

Año: 2005

País: Francia.

Por todos es conocida ya la relación, y si no es así ahora se enterarán, la relación que existe entre los Ballets Rusos de principios del siglo XX que comandaba Serge Diaghilev y los artistas de vanguardia de la época en todos los ámbitos del arte, entre ellos, como no, Picasso, “ese bajito de ojos muy vivos” como le describiría el propio Serge.

En este DVD se reproducen dos obras por el ballet de la Ópera de Paris, que contaron con la intervención de Picasso: Le Train Bleu y Le Tricorney, que comentaré más detalladamente a lo largo de dos entradas en el blog. También cuenta con una parte documental en la que explica brevemente la colaboración de Picasso con los Ballets, comenzando con la relación de Olga Koklova, bailarina de la esta compañía, y es muy rica en fotos y bocetos de la época que no siempre son de fácil acceso. Además de ofrecer un rápido y accesible conocimiento de esta unión entre el empresario ruso y el pintor malagueño durante los años 1917 y 1962.

De esta manera, comenzará el pequeño documental comentando la primera y muy significativa colaboración de Picasso: Parade (Parada). Ésta se produjo por intermediación de Jean Cocteau, poeta y autor del libreto de dicha obra que ha tenido una impresionante influencia en las artes escénicas posteriores. Picasso realizó el famosísimo y enorme telón. Dicho telón no anticipaba nada ni del tema del ballet ni tendría relación directa con los vestuarios que también realizará.

El escenario, obra de Pablo, era también completamente distinto: unos suburbios, una calle de París, configurado a la manera cubista y no construidos, sino de lona la manera circense.

De los diseños de vestuario de Picasso el de los acróbatas y el prestidigitador son muy decorativos y ornamentados con espirales y estrellas. Pero, lo más significativo es la creación e introducción por parte de Picasso de tres personajes que no estaban en el libreto original de Cocteau y que bajo el nombre de Managers irán dando paso a las distintas actuaciones que conformarán Parade. Representaban a diferentes países y en ellos se observan características propias del cubismo, parecían más un decorado, eran esculturas cubistas en movimiento, andantes, que se contraponían a los bailarines y les robaron sin duda protagonismo.

 

http://www.vam.ac.uk/users/node/8939

El Manager francés de Parade creado por Picasso. © Victoria & Albert Museum, London

La primera de las recreaciones que veremos es de Le Train Bleu (El Tren Azul), esta opereta está dedicada a los deportes: natación, tenis, golf… El tren azul, ballet estrenado en 1924, opereta bailada, Cocteau y música de Darius Milhaud. Contó con la colaboración de Picasso de manera secundaria. Es decir, a diferencia de Parade, no realizó los vestuarios que corrieron a cargo de la emergente diseñadora Coco Chanel, ni la escenografía que era obra de Henri Laurens. Sin embargo, Diaghilev quedó prendado de un gouache sobre madera de Picasso de 1922 y éste accedió a que fuera copiado por para ser el telón del ballet, es más, lo firmó y dedicó al empresario. Así, su pareja de bañistas corriendo por una playa se ha convertido en emblema de la colaboración entre Picasso y los Ballets Rusos. Esta obra deslumbró a los espectadores de París y Londres. De hecho, Henry Moore afirmará que este telón cambió su vida.

Coco Chanel (designer), costumes for Le Train Bleu, 1924. Museum no. S.836-1980, S.837-1980. © Victoria & Albert Museum, London

Vestuario de Coco Chanel para Le Train Bleu, 1924. © Victoria & Albert Museum, London

Otra colaboración menor y no directa con los Ballets Rusos fue la realizada en 1924, mismo año que Le Train Bleu pero meses antes, junto con el Conde Etienne de Beaumont para Mercure (Mercurio), que más que un ballet era una sucesión de poses plásticas que daban una interpretación jocosa acerca de la mitología griega. Dicha producción no tuvo una gran acogida. Efectivamente, no gustó a nadie excepto al entrañable Serge Diaghilev.

No obstante, estas dos colaboraciones, aunque puedan considerarse menores, pues no implicaron la complejidad de una escenografía o vestuario completo, dan la pauta a seguir en la futura obra pictórica de Picasso. La carrera de las dos mujeres gigantescas es reflejo de la futura voluminosidad que plasmará tanto en pintura como escultura, y la línea de Mercure mostrará su tendencia hacia un arte más sutil y de línea pura.

Alba S.A.

Picasso por Didier Baussy

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http://www.tkshare.com/Picasso—A-Film-by-Didier-Baussy-Oulianoff–2009.html

Título: Pablo Picasso.

Director: Didier Baussy

Género: Documental.

Duración: 1h. 25 min.

Año: 1987.

Es un documental dirigido por Didier Baussy en el que cuenta la vida de Pablo Ruiz Picasso desde que nace en Málaga en 1881 hasta que muere en Francia en 1973. El director comienza haciendo una comparación muy importante entre el artista y el torero, ya que Picasso durante toda su vida se sintió muy identificado con la figura del toro y esa idea de virilidad, incluso sabemos que el año 1957 hace una serie de grabados de la Tauromaquia en honor a lo español y además un  homenaje a esos famoso grabador como es Goya.

 Habla de las distintas etapas de Picasso desde que llega a La Coruña con diez años hasta cuando llega a Barcelona  y de la relación que tuvo con las distintas mujeres que pasan por su vida.  En 1904 que es cuando comienza el periodo rosa aparecen las figuras de los saltimbanquis y de los personajes que representan a los circos, Baussy menciona el cuadro de La familia de los Saltimbanquis en la que aparecen el propio Picasso y el gordo bufón sería Apollinaire, la figura de la mujer sería su primera mujer Fernand Olivier y el resto sería una familia de acróbatas.

saltihttp://picassopayaso.blogspot.com.es/2013/04/el-guernica-de-los-saltimbanquis.html

Posteriormente aparecen Las Señoritas de Avignon que se dice que es el comienzo del cubismo. Con este movimiento Picasso llegará alcanzar una idea fundamental como es la destrucción de la obra. Picasso dice: “todo acto de creación, es antes un acto de destrucción”.

Pero no sólo destacó por sus pinturas o esculturas, sino también por sus obras literarias, de ahí este pensamiento que compara a la obra artística como una obra literaria,“la pintura nunca era prosa sino poesía, se escribe en versos de rimas plásticas. Son rimas plásticas las formas que reverberan entre ellas respondiendo a otras formas o al espacio que las rodea”. Se dice que en 1935 y 1936 se da cuenta de que no puede pintar más y comienza a escribir.  Aunque a Picasso le interesaba la idea de destrucción, nunca llegó a la abstracción de sus contemporáneos,  sólo hay una escultura  que se podía considerar abstracta que la realizó  en 1923 para conmemorar a su amigo Apollinaire titulada, Figure pour un monument à Guillaume Apollinaire.

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http://www.kalipedia.com/popup/popupWindow.html?anchor=klparthis&tipo=imprimir&titulo=Imprimir%20Art%EDculo&xref=20070718klparthis_150.Kes


La moda de los años 30 influyó mucho en Picasso y durante esta época hace retratos de mujeres con unos sombreros extravagantes que le llamaron mucho la atención. Un ejemplo será la esposa del poeta francés Paul Éluard, Nusch Éluard. Hizó una serie de retratos de esta mujer en la que destacan esos famosos sombreros.

portrait-of-nusch-éluard-1937.jpg!Blog

http://www.wikipaintings.org/en/pablo-picasso/portrait-of-nusch-%C3%A9luard-1937

En torno a los años 50, con setenta años de edad comienza a obsesionarse con la idea de fertilidad y empieza a realizar esculturas con los juguetes de sus hijos como es La Mona y su cría de 1951 siendo la primera obra que realizó a través de materiales reutilizados con los juguetes de sus hijos, además vemos una presencia del primitivismo o arte ibérico que tanto había influido a Picasso.

picasso_mona

http://www.telefonica.net/web2/enriquecastanos/picasso_duncan.htm

Durante estos años 50 comienza a mirar artistas del pasado como son Velázquez o incluso los románticos como Delacroix. Destaca Mujeres en Argel  de 1955 y que lo realizó inspirándose en Delacroix sus Mujeres de Argel y ese turbante con influencia de Matisse. Se dice que Matisse muere en el 1954 y que deja a Picasso como legado  sus Odaliscas .

Les Femmes d'Alger, Blog Picassohttp://picassomitologico.blogspot.com.es/2010_10_11_archive.html

Por último, otra idea fundamental esla de porqué fechar las obras, él sabía que en el futuro el hombre al estudiar el pasado, estudiaría personas de tiempos anteriores y que un ejemplo de ello sería el mismo, para facilitar esos estudios siempre las fechaba.

 

Páginas de interés:

http://winsidermexico.com/2013/04/picasso-y-la-moda-de-eugenio-recuenco/

http://www.revistaimprescindibles.com/arte/la-escultura-magicade-picasso

http://servicios.diariosur.es/picasso/toros2.htm

 Miriam M.P.

“El joven Picasso” capítulo 4.

El cuarto y último capítulo de esta miniserie comienza en primavera de 1906 con Picasso y Fernande Olivier en un tren dirección a Barcelona para rencontrarse con sus familiares y presentarlos a su compañera sentimental. Durante ese viaje Picasso le cuenta a su amante que en la primavera de 1895 en Barcelona su padre le lleva a la Cámara de Comercio e Industria dentro de la cual se encontraba la Escuela de Bellas Artes donde su padre era profesor, y este quería que su hijo fuera alumno. Para ello tuvo que realizar tres exámenes, los cuales paso, y consiguió plaza. En estas aulas mantuvo una estrecha relación a Manuel Pajares quien fue un buen amigo.

Fruto de la gran valía del pintor malagueño uno de los docentes, el profesor José Santiago Garnelo y Alda, en cuyo estudio se encontraba una gran cantidad de modelos y distintas personas para retratar, llevo a cabo la obra Primera Comunión.

Primera Comunión

Por estos mismos años también lleva a cabo la obra Ciencia y Caridad, donde toma a varias personas de su familia como modelo para representarlos en el lienzo. Podemos ver el proceso de trabajo de Picasso con la elaboración de pequeños estudios previos para finalmente realizar la obra que se llevo una mención en la Exposición de Madrid de 1897.

Ciencia y Caridad

Tras estas vuelta sobre los pasos de Picasso, volvemos a esa Barcelona de 1906 donde el pintor decide volver a visitar el burdel de Avignon para volver al lugar que más tarde le dará una de sus obras maestras, habla con una de las meretrices (Rosita) a quien narra cómo fue su primera visita que tanto le  impacto y que más tarde plasmara en un lienzo.

A las pocas semanas decide, junto a Fernande, marcharse a un pueblo de los Pirineos, Gosol, en el cual se integra sobremanera en la vida rústica del pueblo, se va de caza, se corta el pelo para vivir como ellos… Importante es la visita que hace a las iglesias románicas donde ve la pintura, escultura y arquitectura de esos años que tanto le impresionan y de gran influencia será para un futuro inmediato.

Harto o quizás cansado de ese tipo de vida, ambos se trasladas en otoño de 1906 a París, donde por fin termina el retrato de la señora Stein, pero el marido le dice que no se parece en nada y que no le gustara, a lo que Picasso contesta “si no se parece ahora, ya se parecerá algún día”. Muestra el poco agrado con el que realizo la obra.

Es en estos momentos cuando Picasso se introduce en algo completamente nuevo que nadie hasta ahora había desarrollado, para ello compra un lienzo de grandes dimensiones, casi cuadrado (244 x 234 cm). Se encerró completamente durante largos meses en su estudio de Montmartre para desarrollar esa gran obra que será el inicio de algo completamente nuevo, lo que se conoce como Cubismo.

Tras unos meses enseña la obra a algunas personas y va de nuevo a una reunión en casa de los Stein donde se encuentra un coleccionista ruso, Braque, Matisse, Derain… quienes critican brutalmente la nueva obra de Picasso diciendo cosas como que lo que verdaderamente pretende es ridiculizar la pintura o que no entienden las deformaciones que realiza de los cuerpos. Un crítico de arte llamado Félix Fénéon le dice a Picasso que mejor se dedique a hacer caricaturas, algo que ya le había dicho su padre años atrás como se muestra en un sueño.

Pasan varios meses y nos situamos en el verano de 1907 en París donde se presenta en la casa de Picasso su siguiente marchante Daniel-Henry Kahnweiler quien se queda sobrecogido al admirar la obra tan criticada de Picasso, como fue las Señoritas de Avignon, alaba la obra y le pregunta por el nombre y le dice que en un principio se iba a llamar Burdel de Avignon, pero que finalmente se llama las Señoritas de Avignon, pero que en realidad el nombre es lo de menos, y algo fundamental es que cree que el cuadro no cree que este acabado. Picasso le habla de las posibles influencias del Greco y de Cezanne. Pero finalmente no se la vende pues quien quiera ver la obra se debe pasar por su taller, así que únicamente le vende la gran cantidad de bocetos que había hecho para esta gran obra.

Las señoritas de Avignon

La serie acaba con una voz en off que narra que la obra estuvo con Picasso hasta 1921 momento en el cual la compra Jacques Doucet que era un coleccionista. Finalmente la obra fue adquirida por el MoMA en 1939 quien la custodia desde entonces.

Fuentes

http://verdadyverdades.blogspot.com.es/2011/05/las-senoritas-de-avignon-picasso.html

http://www.oni.escuelas.edu.ar/2006/GCBA/1158/picasso.htm

http://www.cuscatla.com/cubismo2.htm

Para saber más:

http://www.eldiadecordoba.es/article/cordoba/658720/maestro/joven/picasso/referente/la/pintura/historica.html trata sobre esa etapa de los años 1895 en adelante en Barcelona.

http://verdadyverdades.blogspot.com.es/2011/05/las-senoritas-de-avignon-picasso.html explica de manera amplia y extendida las Señoritas de Avignon.

Omar. O.C.