Picasso and dance. II.

Picasso and dance.

Título: Picasso and Dance.

Tipo: TV movie documental. DVD.

Directores: Didier Baussy, Yvon Gérault.

Duración: 81 min.

Año: 2005

País: Francia.

En esta nueva entrada, nos centraremos en la segunda obra que se encuentra reproducida por el ballet de la Ópera de París: Le Tricorne (El sombrero de Tres Picos).

Ésta está basada en la música de Manuel de Falla para el Sombrero de Tres Picos, novelita corta de Pedro Antonio de Alarcón, la cual encajaba con la idea de los Ballets Rusos de realizar un ballet completamente español tras haber realizado una visita por el país. Se estrenó en Londres en Julio de 1919 en el Alhambra Theater y produjo una explosión de lo español. Nota curiosa de la preparación de este ballet es la necesidad que tuvo el coreógrafo, Massine, de aprender de un bailarín español: Félix Fernández, pasos típicos españoles como era el zapateado. Éste se hizo demasiadas ilusiones con ser una estrella de los Ballets Rusos y al darse cuenta de que su colaboración fue solo como maestro, se volvió loco.

La colaboración de Picasso en esta obra fue, como en Parade, tanto en el diseño del vestuario, del que se conservan muchos bocetos, como en la escenografía. En estos vestuarios se dirá que las referencias son goyescas, se asemejarán a las majas y majos de Goya, además dicha influencia se vio a nivel coreográfico en la escena basada en el cartón del Pelele (a partir del minuto 1:15:00 comienza esta escena en el DVD).

Crea para el escenario un paisaje ideal, serrano y montañoso, en el que el puente va ganando protagonismo y enmarcando dicha escena, frente al paisaje del fondo que va disminuyendo en la evolución de las maquetas y bocetos. En esta creación de Picasso, se advierte, además, la experiencia del collage y sugiere la disposición de los bastidores del teatro trabajando la superposición de planos.

Para el telón de El Sombrero de Tres Picos, también incluirá arcadas, pero ya no serán de un puente sino de una Plaza de toros. En uno de los bocetos no hay nadie, está vacío, pero en el definitivo introduce un grupo formado por un hombre, cuatro mujeres y un niño que vende fruta, en la arena se ve el final de una corrida –se retira al toro muerte- lo significativo es la introducción del espectador como personaje en el telón. El pintor de los decorados de los Ballets Rusos dirá asombrado: “Después de tanto tiempo con la escenografía de Baskt la austera sencillez del decorado de Picasso me resultó asombrosa”.

Nuestro pintor malagueño también participó en la obra de Pulcinella de 1920, estrenada en el Théâtre National de l’Opéra de París y que era un homenaje a la commedia dell’arte de la que habían disfrutado en su estancia en Nápoles. Los primeros diseños que mostró Picasso para la escenografía no gustaron nada a Diaghilev, quien los rechazó de malas maneras e incluso pisoteó. Tras un tira y afloja entre empresario y artista, finalmente, Picasso accedió a volver a realizar la escenografía, esta vez no centrándose tanto en el marco y la idea de teatro dentro del teatro que en los primero bocetos había explotado.

Del vestuario es significativa la máscara, que es herencia de las típicas llevadas por los pulcinellas, polichinelas, tradicionales, las cuales reinterpretó con un lenguaje moderno y muy ligada su escultura cubista, ya observada en los Manager de Parade.

En último lugar, la última creación de Picasso, no debemos olvidar la obra Cuadro flamenco, que se contraponía a El sombrero de Tres Picos, pues no era una estilización de la tradición española, sino los bailes originales. En esta obra no había coreografía ni participaban los bailarines de la compañía, era una serie de danzas -9 danzas típicas españolas: malagueñas, tango gitano, farruca, jota aragonesa, alegría, garrotín grotesco, garrotín cómico y sevillanas- que tenía entre sus bailarines a María Albaicín, El Tejero, La López o El moreno, entre otros bailaores españoles. Se pensó primero en Juan Gris para los decorados, pero Picasso se adelantó y realizó todos los diseños de esta obra. Los decorados propuestos eran una adaptación de los proyectos rechazados para Pulcinella: idea del teatro dentro del teatro. Fachada de un teatro, sucesión de marcos, delante unas pilastras, el techo con un marco, los palcos enmarcados. Éstos son reseñables, ya que uno de ellos es una parodia del cuadro impresionista El Palco de Renoir.

Picasso, en esta serie de colaboraciones, como hemos podido apreciar, se enfrentó siempre al problema de lo popular y de lo español, en gran parte de ellas. Representó, como la Europa decimonónica contempla la españolada, los europeos que inventan y propagan la españolada. Para todo ello, utiliza los medios del cubismo a través de los cuales crea distancia, el como un músico del romanticismo cita una melodía popular, hace lo propio en sus escenografías y vestuarios citando los temas populares. Para el esta representación serán mascaradas.

Fuentes y más información de las entradas Picasso and dance:

Dos fragmentos de las obras que se encuentran en el DVD:

Le Tricorne, La Farruca: 

Le Train Bleu – Elisabeth Maurin, Nicolas Le Riche: 

MURGA CASTRO, Idoia, Escenografía de la Danza en la Edad de Plata, 1916-1936, CSIC-Press, 2009.

VV.AA., Los Ballets Rusos de Diaghilev 1909/1929. Cuando el arte baila con la música, Barcelona; Madrid, Fundación “la Caixa”: Turner, D.L. 2011.

VV.AA., El teatro de los pintores en la Europa de las vanguardias, Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: Aldeasa, 2000.

Otro libro acerca de los Ballets Rusos, esta vez en relación con el artista Mariano Fortuny: OSMA, Guillermo de, Fortuny, Proust y los Ballets Rusos, Editorial Elba, 2010.

Exposición CaixaForum Madrid: Los Ballets Rusos de Diaghilev 1909/1929. Cuando el arte baila con la música:

– Audio: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?view=audio

– Fotos: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?obj=816,c,15644&view=photo

– Vídeos: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?obj=816,c,15644&view=videos

Conferencia de Guillermo Solana “Picasso y los Ballets Rusos” durante el Ciclo: Bajo la estrella de Diaghilev en la Fundación Juan March, 24/04/1997. http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?id=2395

Página web sobre la historia de los Ballets Rusos (destaca por los vídeos que contiene): http://www.russianballethistory.com/

Los Ballets Rusos en el  Victoria and Albert Museum de Londres:

–  http://www.vam.ac.uk/content/articles/0-9/20th-century-ballet-revolution/

http://www.vam.ac.uk/content/articles/d/diaghilev-and-the-ballets-russes/

Instalación del Telón de Le Train Bleu en el Victoria and Albert Museum: http://www.vam.ac.uk/content/videos/i/video-installing-the-le-train-bleu-backdrop/

Exposición en 2009 con motivo del centenario de la creación de los Ballets Rusos en la Houghton Library de Harvard College: Diaghilev’s Ballets Russes, 1909-1929: Twenty Years That Changed the World of Art

En 2008 tuvo lugar una gira bajo el nombre Picasso y la danza a cargo de la compañía Europa Danse cuyo programa estaba formado por las piezas de los Ballets Rusos en las que colaboró Picasso: http://www.artibus.es/content/teatro_picasso.php

Entre Diciembre de 2010 y Mayo de 2011 en la National Gallery of Australia tuvo lugar una importante exposición titulada Ballets Russes: the Art of Costumehttp://nga.gov.au/Exhibition/balletsrusses/Default.cfm

Con motivo de la exposición Picasso & Modern British Art se realizó una conferencia en referencia al trabajo del artista en el ballet, además se han realizado  recreaciones de las obras en las que participó y creación de nuevas piezas a cargo del English National Ballet. Información de esto aquí y vídeos de los ensayos aquí.

Alba S.A.

Picasso and dance. I.

Picasso and dance.

Título: Picasso and Dance.

Tipo: TV movie documental. DVD.

Directores: Didier Baussy, Yvon Gérault.

Duración: 81 min.

Año: 2005

País: Francia.

Por todos es conocida ya la relación, y si no es así ahora se enterarán, la relación que existe entre los Ballets Rusos de principios del siglo XX que comandaba Serge Diaghilev y los artistas de vanguardia de la época en todos los ámbitos del arte, entre ellos, como no, Picasso, “ese bajito de ojos muy vivos” como le describiría el propio Serge.

En este DVD se reproducen dos obras por el ballet de la Ópera de Paris, que contaron con la intervención de Picasso: Le Train Bleu y Le Tricorney, que comentaré más detalladamente a lo largo de dos entradas en el blog. También cuenta con una parte documental en la que explica brevemente la colaboración de Picasso con los Ballets, comenzando con la relación de Olga Koklova, bailarina de la esta compañía, y es muy rica en fotos y bocetos de la época que no siempre son de fácil acceso. Además de ofrecer un rápido y accesible conocimiento de esta unión entre el empresario ruso y el pintor malagueño durante los años 1917 y 1962.

De esta manera, comenzará el pequeño documental comentando la primera y muy significativa colaboración de Picasso: Parade (Parada). Ésta se produjo por intermediación de Jean Cocteau, poeta y autor del libreto de dicha obra que ha tenido una impresionante influencia en las artes escénicas posteriores. Picasso realizó el famosísimo y enorme telón. Dicho telón no anticipaba nada ni del tema del ballet ni tendría relación directa con los vestuarios que también realizará.

El escenario, obra de Pablo, era también completamente distinto: unos suburbios, una calle de París, configurado a la manera cubista y no construidos, sino de lona la manera circense.

De los diseños de vestuario de Picasso el de los acróbatas y el prestidigitador son muy decorativos y ornamentados con espirales y estrellas. Pero, lo más significativo es la creación e introducción por parte de Picasso de tres personajes que no estaban en el libreto original de Cocteau y que bajo el nombre de Managers irán dando paso a las distintas actuaciones que conformarán Parade. Representaban a diferentes países y en ellos se observan características propias del cubismo, parecían más un decorado, eran esculturas cubistas en movimiento, andantes, que se contraponían a los bailarines y les robaron sin duda protagonismo.

 

http://www.vam.ac.uk/users/node/8939

El Manager francés de Parade creado por Picasso. © Victoria & Albert Museum, London

La primera de las recreaciones que veremos es de Le Train Bleu (El Tren Azul), esta opereta está dedicada a los deportes: natación, tenis, golf… El tren azul, ballet estrenado en 1924, opereta bailada, Cocteau y música de Darius Milhaud. Contó con la colaboración de Picasso de manera secundaria. Es decir, a diferencia de Parade, no realizó los vestuarios que corrieron a cargo de la emergente diseñadora Coco Chanel, ni la escenografía que era obra de Henri Laurens. Sin embargo, Diaghilev quedó prendado de un gouache sobre madera de Picasso de 1922 y éste accedió a que fuera copiado por para ser el telón del ballet, es más, lo firmó y dedicó al empresario. Así, su pareja de bañistas corriendo por una playa se ha convertido en emblema de la colaboración entre Picasso y los Ballets Rusos. Esta obra deslumbró a los espectadores de París y Londres. De hecho, Henry Moore afirmará que este telón cambió su vida.

Coco Chanel (designer), costumes for Le Train Bleu, 1924. Museum no. S.836-1980, S.837-1980. © Victoria & Albert Museum, London

Vestuario de Coco Chanel para Le Train Bleu, 1924. © Victoria & Albert Museum, London

Otra colaboración menor y no directa con los Ballets Rusos fue la realizada en 1924, mismo año que Le Train Bleu pero meses antes, junto con el Conde Etienne de Beaumont para Mercure (Mercurio), que más que un ballet era una sucesión de poses plásticas que daban una interpretación jocosa acerca de la mitología griega. Dicha producción no tuvo una gran acogida. Efectivamente, no gustó a nadie excepto al entrañable Serge Diaghilev.

No obstante, estas dos colaboraciones, aunque puedan considerarse menores, pues no implicaron la complejidad de una escenografía o vestuario completo, dan la pauta a seguir en la futura obra pictórica de Picasso. La carrera de las dos mujeres gigantescas es reflejo de la futura voluminosidad que plasmará tanto en pintura como escultura, y la línea de Mercure mostrará su tendencia hacia un arte más sutil y de línea pura.

Alba S.A.

Picasso and Braque go to the movies.

Director: Arne Glimcher.

Productores: Mr. Glimcher, Martin Scorsese y Robert Greenhut.

Año: 2008

Duración: 62 Mins

Género: Documental.

País: Estados Unidos.


Picasso and Braque go to the movies
(Picasso y Braque van al cine, podríamos traducirlo) es un título muy revelador y que quizá no hace del todo justicia al contenido del documental. Pues este no solo se centrará en las posibles películas que estos artistas podrían haber visto y que les habrían influenciado -aunque si se comenta su pertenencia a un club de cine- tanto por ser una nueva invención técnica, como por su fin, captar una escena en movimiento, o como por la temática que aborda y la forma de filmar.

Durante la hora en la que atendemos al visionado del mismo, se irán sucediendo las intervenciones tanto de expertos en historia del cine como de historia del arte en un espacio que simula una exposición de Picasso, Braque y su relación con el cine.

A través de estas intervenciones, se establecerán relaciones entre el cubismo que crearon Braque y Picasso y el cine, además de formarse multitud de similitudes temáticas entre lo filmado y lo representado en los cuadros.Estas similitudes temáticas se centran sobre todo en un objeto: el abanico y una temática común y frecuente en la vanguardia cubista de la que son padres estos artistas y en el cine: la música y los instrumentos musicales. Se relaciona la figura del asesino y maestro del disfraz Fantômas con Picasso, a quien le gustaba crear de sí mismo un personaje, y se comenta que Apollinaire y Max Jacob fundaron la Societé des Amis de Fantômas.

Man with guitar, 1911-1912, G. Braque. http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=79048

Man with guitar, 1911-1912, G. Braque.
http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=79048

Fotograma de Sinfonía bizarra, 1909, de Segundo de Chomón.

Fotograma de Sinfonía bizarra, 1909, de Segundo de Chomón.

00643v

Fotografía de un vuelo realizado por los hermanos Wright en 1904 en Dayton, Ohio.
http://lcweb2.loc.gov/service/pnp/ppprs/00600/00643v.jpg

 
 
 

Aunque no será el cine la únicarevolución que se abordará, también se comenta la evolución técnica de la aviación, su relación con la vanguardia y el interés de estos dos artistas por ella, llegando a llamarse a sí mismos Orville y Wilbur -pioneros de la aviación que realizaron el primer vuelo con motor de la historia-.

Del mismo modo que se hace referencia a la Exposición Universal de París de 1900, tomándola como un punto de partida y a través de la cual estos artistas conocerían nuevos medios y nuevas técnicas que les harían evolucionar. Y no solo conocerán en esta feria innovaciones técnicas, sino que también conocerá Picasso el espectáculo de la Danza Serpentina de Loie Fuller.

Como deja claro el título del documental, está dedicado exclusivamente a Braque y Picasso, dejando de lado a sus sucesores. Se comentarán ambas biografías y cómo en el nacimiento del cubismo las obras de estos dos artistas son intercambiables e indiferenciables. Sin embargo, se percibe una cierta predilección por la figura Picasso, dedicándole más tiempo y espacio, quizá por ser un artista más mitificado.

Además, algo que se debe destacar y que, en mi opinión, es una aportación importante, es la introducción de diversos artistas al discurso que explican cómo ven, observan y entienden este trasvase del cine al arte de Braque y de Picasso. Exponiendo también cómo ellos mismos han sido influenciados por el cine. Entre estos artistas tenemos a Chuck Close, Julian Schnabel, Eric Fischl y Lucas Samaras .

Finaliza el documental con una afirmación en voz de Martin Scorsese, quien también abrirá la película, que me ha parecido una conclusión muy acertada en referencia a la vanguardia cubista y su influencia, dice: ‘Cubism was not a style. It was a revolution that instigated a profoundly radical change of form; in fact a radical change of vision itself’.

Enlaces adicionales:

Vídeo de la Danza Serpentina de Loie Fuller: http://www.youtube.com/watch?v=BZcbntA4bVY

Sobre Fantômas: http://www.fantomas-lives.com/ y http://fantomas.popular-roots.eu/

Sobre la Exposición Universal de 1900 de París:

*Página web: http://www.expositions-universelles.fr/1900-exposition-universelle-Paris.html

*Vídeo: http://www.youtube.com/watch?v=n-4R72jTb74

Lecturas complementarias: 

VV.AA., L’Exposition Universelle de 1900, Paris, 2000.

WILLIAM, R., Picasso y Braque: la invención del Cubismo, Barcelona,1991.

Fuentes:

http://www.arthousefilmsonline.com/2009/02/picasso-braque.html

http://movies.nytimes.com/2010/05/28/movies/28picasso.html?_r=1&

Alba S. A.

“El joven Picasso” capítulo 3.

En el tercer capítulo de la miniserie, nos encontramos a Picasso ya en 1904 en París recién trasladado a Montmartre, lugar donde antes habían vivido Gauguin, Van Gogh entre otros, por tanto un lugar de artistas. Se asienta en un amplio estudio muy luminoso, tan diferente de lo que hemos visto con anterioridad.

Es en este edificio donde conoce a la que fue su primera pareja sentimental, Fernande Olivier, esta relación influye sobremanera a Picasso y pasa de esas obras cuyos protagonistas son los estamentos más bajos, a hacer numerosos retratos en los cuales podemos ver la evolución de su pintura y como a poco va avanzando hasta llegar a la etapa rosa donde el color azul deja paso a una paleta de mayor variedad cromática.

Otro aspecto a destacar de este momento es que el circo llega a París, entonces Picasso junto a Fernande Olivier y Max deciden ir al circo, este nuevo espectáculo asombra muchísimo a Picasso y comienza a realizar numerosas obras donde las gentes del circo son las protagonistas de sus obras como por ejemplo la obra la acróbata de la bola la cual la podemos ver en el estudio de Picasso a lo largo de todo el capítulo, junto a otras como Chico con pipa o Hombre con órgano de manivela y joven arlequín las cuales tendrán gran importancia más adelante. Pero la obra que se lleva más ovación por parte de su pareja como sus amigos más cercanos es la obra Los Acróbatas, conocida hoy en día como la Familia de Acróbatas.

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La Familia de Acróbatas

Como ya hacía Bardem en el capítulo anterior, introduce ese flashback, el cual nos sitúa en La Coruña en 1895 donde Concha, hermana de Picasso, enferma de difteria muere, tras esto Picasso y su familia se trasladan a Málaga, pero primero hacen una parada en Madrid donde padre e hijo van al Museo del Prado donde observan la obra de Velázquez y El Greco que tanto impresionaron a Picasso.

Ya en 1905 Picasso sigue en París y conoce al matrimonio estadounidense Stein, el pintor malagueño hace un retrato a Gertrude Stein, un trabajo algo arduo y complicado para Picasso que no consigue capturar esa esencia del rostro de la mujer, y la hace posar durante largas horas para realizar el retrato. Una actividad importante de este matrimonio era su afán coleccionista y fruto de ello conocían a numerosos artistas, y es en una de sus reuniones donde presentan a Picasso y Matisse y se produce un enfrentamiento entre ambos por sus distintas pinturas, Matisse le recrimina que haga una pintura dura donde se representa la cruda realidad, y Picasso que esa faceta tan colorista es algo que él ya ha hecho en el pasado.

Para finalizar este capítulo el marchante Ambroise Vollard vista el taller de Picasso en el cual ve todas las obras que Picasso tenía y decide comprar un buen número de estas, como Hombre con órgano de manivela y joven arlequín y Chico con Pipa entre otras muchas, por las cuales pagó una buena suma de dinero.

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Muchacho con pipa

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Hombre con órgano de manivela y joven arlequín

 

 

 

 

 

 

Fuentes:

http://4.bp.blogspot.com/_WPzGWjuobaI/TBf5z9aLhtI/AAAAAAAAA5s/64o63gs2-bk/s1600/1905+-+Familia+de+acr%C3%B3batas.jpg

http://deplatayexacto.files.wordpress.com/2010/07/muchacho-con-pipa-pablo-picasso-1905.jpg

Para saber más:

http://www.matisse-picasso.org/  Web donde se confronta y habla de la obra de ambos.

Matisse and Picasso: the story of their rivalry and friendship, Jack Flam.

Omar. O.C.


“El joven Picasso” capítulo 2.

En el segundo capítulo de esta miniserie dedicada al pintor malagueño, nos muestra lo sucedido entre los años 1901 donde se encuentra en París hasta el año 1904 momento en el cual le situamos en Barcelona.

el+entierro+de+Casagemas

Así comienza en la primavera de 1901 donde el marchante Pere Mañach monta una exposición con algo más de sesenta obras de Picasso en una exposición celebrada por Vollard, en la cual también encontramos a otros pintores como Francisco Iturrino. En ella podemos encontrar obras como el Entierro de Casagemas entre otras muchas más. Es una exposición que tiene muchas visitas pero no el objetivo deseado, pues más adelante el marchante le dice que ha sido un desacierto pues apenas ha vendido cuatro obras, por tanto no se han conseguido las ventas de lienzos esperadas. Es en estos momentos en los que conoce a Max Jacob (poeta) de quien se hace muy buen amigo llegando incluso a compartir habitación, quien apoya en los difíciles momentos al pintor.

portrait-jaime-sabartes_Picasso

Fruto de esa exposición hay muchas críticas sobre la obra de Picasso en la cual dicen que tiene influencias de Goya, Manet, Van Gogh, Lautrec, Degas… pero que no ha desarrollado un estilo personal al margen de todas esas influencias que ha tomado. Ya en estos momentos nos encontramos con la figura de Jaume Sabartés, quien pasara a ser con el tiempo secretario personal de Picasso, pero que en estos momentos ayuda en gran medida a Picasso, a quien incluso hace un retrato al cual llama El Poeta.

Es en el invierno de este mismo año cuando tiene una gran discusión con Pere Mañach, su marchante, quien le recrimina que no haga un arte más “comercial” y es por ello que Picasso harto de tantas recriminaciones y presiones para hacer un arte que no le nace hacerlo, decide marcharse del cobijo de Mañach y buscarse la vida. Pero pronto se da cuenta que o hace lo que la gente quiere ver o se muere de hambre y es por ello que realiza unas obras en tonos pasteles, más del gusto del público, las cuales las vende a una galería de París, recibiendo así los ingresos necesarios para poder subsistir.

Ya en 1902, y gracias a ese dinero ganado, vuelve a Barcelona, donde el padre de nuevo le presiona para que haga una gran obra para la exposición nacional y 1172772201_extras_albumes_0así consiga una plaza de profesor en la escuela de arte, algo que Picasso no quiere. Por ello Picasso decide hacer un arte que esté más acorde con lo que piensa y ve, y es por ello que realiza obras donde la pobreza está plasmada en las obras y donde el azul cubre todos sus lienzos, lo que nos marca que ya está dentro de ese periodo azul.

Pero no será hasta 1903 cuando haga su gran obra La Vida la cual será vista por personalidades como Manolo Pallarés, los hermanos Fernández Soto (escultores los dos) y Miguel Utrillo (crítico) entre otros, cuando ven la obra todos coinciden que es una gran obra, la cual será comprada por un francés.

Picasso continua en Barcelona en 1904 y el padre le sigue insistiendo con la idea de la exposición nacional para conseguir plaza en la escuela de arte, pero Picasso de nuevo se niega a ello. Tras una discusión entre padre e hijo se suceden dos flashback: uno en 1894 donde vemos a padre e hijo pintando a la orilla del mar, donde el padre ve la maestría de su hijo con la pintura y es por ello que decide regalarse su paleta y pinceles (símbolos básicos de un pintor) como muestra de que le deja el camino libre en la pintura que él se retira. El segundo flashback retrocede más en el tiempo hasta 1886 en Málaga donde vemos a un Picasso de 5 años que acompaña a su padre al estudio donde pinta de manera compulsiva a palomas, clara influencia de lo que hará Picasso en 1961. Un Picasso que aunque muy joven ya muestra una gran habilidad en la pintura.

paloma_picasoFuentes: http://4.bp.blogspot.com/-ZELHc2fReTs/Tbczy2AdfzI/AAAAAAAAAN4/ra5yc_78vbM/s1600/el+entierro+de+Casagemas.jpg

http://2.bp.blogspot.com/–wJ1Mgp2Cds/UTuqiyNSODI/AAAAAAAAAPE/MpErmRwFtZg/s1600/portrait-jaime-sabartes_Picasso.jpg

http://estaticos02.cache.el-mundo.net/albumes/2007/03/01/barcelona_met/1172772201_extras_albumes_0.jpg

http://3.bp.blogspot.com/_6zZF46yYDik/TVF9P13oxWI/AAAAAAAAAAU/dpuP_CM7PIQ/s1600/paloma_picaso.jpg

Omar. O. C.

Picasso y Méliès

El Cubismo es una vanguardia identificable por las perspectivas múltiples, los cuerpos fragmentados, la inserción de letras, números, palabras… Su desarrollo gracias a Picasso y Braque tiene como base los presupuestos de Cézanne sobre reducir la naturaleza a formas geométricas. Sin embargo pueden rastrearse varias similitudes entre Picasso y las películas de Georges Méliès, siempre teniendo en cuenta que se movían en medios distintos, y que el segundo, aunque dio rienda suelta a la fantasía, seguía trabajando con objetos, personas, etc identificables y construidos.

En Dislocation mystérieuses (1901) Méliès, con sus técnicas innovadoras de modificación del celuloide, hace que todas las extremidades de un pierrot se desarticulen y salgan volando para luego volver a su sitio. Picasso en 1913 hizo un montaje en el cual, sobre una tela, pintó una figura de corte cubista a la que añadió unos brazos de recortes de periódico que sujetaban una guitarra de verdad. Delante puso una mesa con una botella de vino, una copa y una pipa (elementos que salen en la película de Méliès). Una vez realizada la fotografía de su obra, manipuló el negativo y la fotografía misma para crear una nueva obra, por ejemplo aplicando líneas con tinta a la figura de la que apenas distinguimos un brazo, el resto queda fragmentado como el pierrot de Méliès.

Fotograma Dislocations mystérieuses, Méliès

fotograma Dislocations mystérieuses, Méliès

Montaje de Picasso

Montaje de Picasso

El tema de las perspectivas contradictorias también es tratado por ambos. Sabemos que en el Cubismo el espacio no se construye de forma tradicional y las personas y objetos se despliegan multidimensionalmente viéndolos desde todos los puntos posibles. Guardando las distancias con esta propuesta rupturista, Méliès en L’homme mouche (1902) protagoniza un baile rodeado a ambos lados de mujeres y de repente, en esa danza desenfrenada, sube por la pared que tiene detrás y hace volteretas. Como en las obras cubistas, Mélies está desafiando a la realidad y nos muestra dos perspectivas: una horizontal en la parte de las mujeres y la vertical cuando le vemos en la pared.

Estas y otras relaciones, como la inserción de palabras o la mezcla de elementos pintados y de la realidad en las películas de Le mélomane (1903, el nombre de las notas musicales formadas por cabezas de Méliès) y Le voyage dans la lune (1902, en la que por ejemplo de unas chimeneas pintadas sale humo de verdad) respectivamente, se pueden ver ampliadas en el libro Picasso: arte y cine (2011) de la Fundación Picasso de Málaga.

Fotografa de Le mélomane, Méliès

Fotografa de Le mélomane, Méliès

Películas Méliès:

Dislocation mystérieuses (1901) > http://www.youtube.com/watch?v=Eca5x5ARryA

L’homme mouche (1902) > http://www.youtube.com/watch?v=yfX1NrmpC-g

Le mélomane (1903) > http://www.youtube.com/watch?v=JV2p1VMP4TU

Le voyage dans la lune (1902) > http://www.youtube.com/watch?v=ku8Cs-ux4UQ

Estefanía R.N

El Cubismo y el cine. II.

Siguiendo con la temática de nuestra entrada anterior, es decir, la relación del séptimo arte con el cubismo, el miércoles tuvo lugar en el Museo Reina Sofía de Madrid una visita comentada bajo el título: Cubismo y cine. La transformación de la mirada.

Durante la misma, se realiza un recorrido por las salas del museo en las que el cubismo, incluyendo sus antecedentes, es el protagonista. Se va observando como el cine fue un factor relevante a la hora de crear una nueva forma de mirar y comprender lo que se observaba. Papel que comparte con el cubismo.

En una de las primeras salas se pone en relación un vídeo de la bailarina Loie Fuller (Danse Serpentine (III), 1897) con el simultaneísmo de Sonia Delaunay. La sucesión de color en los fotogramas, un hecho novedoso que se debe a que el carrete fue coloreado, junto con el movimiento en espiral de la bailarina hace que esté en completa sintonía con el cuadro.

Retrato de Loie Fuller por Frederick Glasier. (1902)

Retrato de Loie Fuller por Frederick Glasier. (1902)
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Loie_Fuller.jpg

Similitudes en la temática se ven reflejadas en el vídeo que dedican los hermanos Lumière a unos jugadores de cartas (Partie d´écarté, 1896) y que nos remiten irremediablemente al cuadro del que se considera el abuelo del cubismo: Cézanne. La gran aportación del cine es el factor tiempo frente a la imagen estática de un cuadro o de una fotografía.

También se comenta la relación del montaje necesario en la elaboración de una película con el proceso de creación de los artistas cubistas. En este sentido, se señala a Méliès por ser el primero en introducir efectos visuales gracias al montaje final de las películas y se comenta como los seguidores del cubismo escogían todos los planos de una imagen y las plasmaban y como también introducían objetos mismos de la realidad dando lugar a la técnica del collage.

Tras comentar algunas obras más se finaliza la visita con el visionado de One week – Una semana-, 1920 de Buster Keaton y además la película del pintor cubista Fernand Léger, Ballet Mécanique -El ballet mecánico-, 1923-1924. Como vemos, la interrelación entre estas artes y sus aportaciones mutuas serán muy importantes y constantes.

Estas visitas se vienen realizando desde enero y finalizarán en abril. Son los miércoles a las 19:15h y los sábados a las 17:00h. Desde aquí os recomendamos la asistencia a las mismas. Para más información, consultar la página web del Museo: http://www.museoreinasofia.es/programas-publicos/educacion/adultos.html

Alba S.A.