Esencía de verbena (1930)

Con este corto llamado Esencia de verbena, de 1930, podemos ver a través de doce estampas de cuatro autores como Goya, Picasso, Maruja Mallo y Francis Picabia las diferentes verbenas que se celebraban en Madrid por esos años.

Aquí realmente la figura de Picasso es usada para ilustrar una de esas verbenas, o más bien, para dar paso a modo de cortina de inicio para la explicación de una de estas fiestas, pues únicamente podemos ver una obra cubista (minuto 00:29) de Picasso que da paso a una de esas verbenas.

Por ello este corto no nos sirve para estudiar sobre la figura y obra de Picasso, pero sí para ver que ya por los años 1930 era una figura de gran importancia dentro del mundo artístico español y que tenía una gran fama y consideración, pues es nombrado con otro de los grandes pintores españoles como Francisco de Goya, además de la pintora surrealista Maruja Mallo y el pintor francés Francis Picabia.

Dibujo

http://www.youtube.com/watch?v=SpaUF2kpv_Y Video Esencia de Verbena (1930)

Omar. O.C.

Picasso and dance. II.

Picasso and dance.

Título: Picasso and Dance.

Tipo: TV movie documental. DVD.

Directores: Didier Baussy, Yvon Gérault.

Duración: 81 min.

Año: 2005

País: Francia.

En esta nueva entrada, nos centraremos en la segunda obra que se encuentra reproducida por el ballet de la Ópera de París: Le Tricorne (El sombrero de Tres Picos).

Ésta está basada en la música de Manuel de Falla para el Sombrero de Tres Picos, novelita corta de Pedro Antonio de Alarcón, la cual encajaba con la idea de los Ballets Rusos de realizar un ballet completamente español tras haber realizado una visita por el país. Se estrenó en Londres en Julio de 1919 en el Alhambra Theater y produjo una explosión de lo español. Nota curiosa de la preparación de este ballet es la necesidad que tuvo el coreógrafo, Massine, de aprender de un bailarín español: Félix Fernández, pasos típicos españoles como era el zapateado. Éste se hizo demasiadas ilusiones con ser una estrella de los Ballets Rusos y al darse cuenta de que su colaboración fue solo como maestro, se volvió loco.

La colaboración de Picasso en esta obra fue, como en Parade, tanto en el diseño del vestuario, del que se conservan muchos bocetos, como en la escenografía. En estos vestuarios se dirá que las referencias son goyescas, se asemejarán a las majas y majos de Goya, además dicha influencia se vio a nivel coreográfico en la escena basada en el cartón del Pelele (a partir del minuto 1:15:00 comienza esta escena en el DVD).

Crea para el escenario un paisaje ideal, serrano y montañoso, en el que el puente va ganando protagonismo y enmarcando dicha escena, frente al paisaje del fondo que va disminuyendo en la evolución de las maquetas y bocetos. En esta creación de Picasso, se advierte, además, la experiencia del collage y sugiere la disposición de los bastidores del teatro trabajando la superposición de planos.

Para el telón de El Sombrero de Tres Picos, también incluirá arcadas, pero ya no serán de un puente sino de una Plaza de toros. En uno de los bocetos no hay nadie, está vacío, pero en el definitivo introduce un grupo formado por un hombre, cuatro mujeres y un niño que vende fruta, en la arena se ve el final de una corrida –se retira al toro muerte- lo significativo es la introducción del espectador como personaje en el telón. El pintor de los decorados de los Ballets Rusos dirá asombrado: “Después de tanto tiempo con la escenografía de Baskt la austera sencillez del decorado de Picasso me resultó asombrosa”.

Nuestro pintor malagueño también participó en la obra de Pulcinella de 1920, estrenada en el Théâtre National de l’Opéra de París y que era un homenaje a la commedia dell’arte de la que habían disfrutado en su estancia en Nápoles. Los primeros diseños que mostró Picasso para la escenografía no gustaron nada a Diaghilev, quien los rechazó de malas maneras e incluso pisoteó. Tras un tira y afloja entre empresario y artista, finalmente, Picasso accedió a volver a realizar la escenografía, esta vez no centrándose tanto en el marco y la idea de teatro dentro del teatro que en los primero bocetos había explotado.

Del vestuario es significativa la máscara, que es herencia de las típicas llevadas por los pulcinellas, polichinelas, tradicionales, las cuales reinterpretó con un lenguaje moderno y muy ligada su escultura cubista, ya observada en los Manager de Parade.

En último lugar, la última creación de Picasso, no debemos olvidar la obra Cuadro flamenco, que se contraponía a El sombrero de Tres Picos, pues no era una estilización de la tradición española, sino los bailes originales. En esta obra no había coreografía ni participaban los bailarines de la compañía, era una serie de danzas -9 danzas típicas españolas: malagueñas, tango gitano, farruca, jota aragonesa, alegría, garrotín grotesco, garrotín cómico y sevillanas- que tenía entre sus bailarines a María Albaicín, El Tejero, La López o El moreno, entre otros bailaores españoles. Se pensó primero en Juan Gris para los decorados, pero Picasso se adelantó y realizó todos los diseños de esta obra. Los decorados propuestos eran una adaptación de los proyectos rechazados para Pulcinella: idea del teatro dentro del teatro. Fachada de un teatro, sucesión de marcos, delante unas pilastras, el techo con un marco, los palcos enmarcados. Éstos son reseñables, ya que uno de ellos es una parodia del cuadro impresionista El Palco de Renoir.

Picasso, en esta serie de colaboraciones, como hemos podido apreciar, se enfrentó siempre al problema de lo popular y de lo español, en gran parte de ellas. Representó, como la Europa decimonónica contempla la españolada, los europeos que inventan y propagan la españolada. Para todo ello, utiliza los medios del cubismo a través de los cuales crea distancia, el como un músico del romanticismo cita una melodía popular, hace lo propio en sus escenografías y vestuarios citando los temas populares. Para el esta representación serán mascaradas.

Fuentes y más información de las entradas Picasso and dance:

Dos fragmentos de las obras que se encuentran en el DVD:

Le Tricorne, La Farruca: 

Le Train Bleu – Elisabeth Maurin, Nicolas Le Riche: 

MURGA CASTRO, Idoia, Escenografía de la Danza en la Edad de Plata, 1916-1936, CSIC-Press, 2009.

VV.AA., Los Ballets Rusos de Diaghilev 1909/1929. Cuando el arte baila con la música, Barcelona; Madrid, Fundación “la Caixa”: Turner, D.L. 2011.

VV.AA., El teatro de los pintores en la Europa de las vanguardias, Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: Aldeasa, 2000.

Otro libro acerca de los Ballets Rusos, esta vez en relación con el artista Mariano Fortuny: OSMA, Guillermo de, Fortuny, Proust y los Ballets Rusos, Editorial Elba, 2010.

Exposición CaixaForum Madrid: Los Ballets Rusos de Diaghilev 1909/1929. Cuando el arte baila con la música:

– Audio: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?view=audio

– Fotos: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?obj=816,c,15644&view=photo

– Vídeos: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?obj=816,c,15644&view=videos

Conferencia de Guillermo Solana “Picasso y los Ballets Rusos” durante el Ciclo: Bajo la estrella de Diaghilev en la Fundación Juan March, 24/04/1997. http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?id=2395

Página web sobre la historia de los Ballets Rusos (destaca por los vídeos que contiene): http://www.russianballethistory.com/

Los Ballets Rusos en el  Victoria and Albert Museum de Londres:

–  http://www.vam.ac.uk/content/articles/0-9/20th-century-ballet-revolution/

http://www.vam.ac.uk/content/articles/d/diaghilev-and-the-ballets-russes/

Instalación del Telón de Le Train Bleu en el Victoria and Albert Museum: http://www.vam.ac.uk/content/videos/i/video-installing-the-le-train-bleu-backdrop/

Exposición en 2009 con motivo del centenario de la creación de los Ballets Rusos en la Houghton Library de Harvard College: Diaghilev’s Ballets Russes, 1909-1929: Twenty Years That Changed the World of Art

En 2008 tuvo lugar una gira bajo el nombre Picasso y la danza a cargo de la compañía Europa Danse cuyo programa estaba formado por las piezas de los Ballets Rusos en las que colaboró Picasso: http://www.artibus.es/content/teatro_picasso.php

Entre Diciembre de 2010 y Mayo de 2011 en la National Gallery of Australia tuvo lugar una importante exposición titulada Ballets Russes: the Art of Costumehttp://nga.gov.au/Exhibition/balletsrusses/Default.cfm

Con motivo de la exposición Picasso & Modern British Art se realizó una conferencia en referencia al trabajo del artista en el ballet, además se han realizado  recreaciones de las obras en las que participó y creación de nuevas piezas a cargo del English National Ballet. Información de esto aquí y vídeos de los ensayos aquí.

Alba S.A.

Picasso and dance. I.

Picasso and dance.

Título: Picasso and Dance.

Tipo: TV movie documental. DVD.

Directores: Didier Baussy, Yvon Gérault.

Duración: 81 min.

Año: 2005

País: Francia.

Por todos es conocida ya la relación, y si no es así ahora se enterarán, la relación que existe entre los Ballets Rusos de principios del siglo XX que comandaba Serge Diaghilev y los artistas de vanguardia de la época en todos los ámbitos del arte, entre ellos, como no, Picasso, “ese bajito de ojos muy vivos” como le describiría el propio Serge.

En este DVD se reproducen dos obras por el ballet de la Ópera de Paris, que contaron con la intervención de Picasso: Le Train Bleu y Le Tricorney, que comentaré más detalladamente a lo largo de dos entradas en el blog. También cuenta con una parte documental en la que explica brevemente la colaboración de Picasso con los Ballets, comenzando con la relación de Olga Koklova, bailarina de la esta compañía, y es muy rica en fotos y bocetos de la época que no siempre son de fácil acceso. Además de ofrecer un rápido y accesible conocimiento de esta unión entre el empresario ruso y el pintor malagueño durante los años 1917 y 1962.

De esta manera, comenzará el pequeño documental comentando la primera y muy significativa colaboración de Picasso: Parade (Parada). Ésta se produjo por intermediación de Jean Cocteau, poeta y autor del libreto de dicha obra que ha tenido una impresionante influencia en las artes escénicas posteriores. Picasso realizó el famosísimo y enorme telón. Dicho telón no anticipaba nada ni del tema del ballet ni tendría relación directa con los vestuarios que también realizará.

El escenario, obra de Pablo, era también completamente distinto: unos suburbios, una calle de París, configurado a la manera cubista y no construidos, sino de lona la manera circense.

De los diseños de vestuario de Picasso el de los acróbatas y el prestidigitador son muy decorativos y ornamentados con espirales y estrellas. Pero, lo más significativo es la creación e introducción por parte de Picasso de tres personajes que no estaban en el libreto original de Cocteau y que bajo el nombre de Managers irán dando paso a las distintas actuaciones que conformarán Parade. Representaban a diferentes países y en ellos se observan características propias del cubismo, parecían más un decorado, eran esculturas cubistas en movimiento, andantes, que se contraponían a los bailarines y les robaron sin duda protagonismo.

 

http://www.vam.ac.uk/users/node/8939

El Manager francés de Parade creado por Picasso. © Victoria & Albert Museum, London

La primera de las recreaciones que veremos es de Le Train Bleu (El Tren Azul), esta opereta está dedicada a los deportes: natación, tenis, golf… El tren azul, ballet estrenado en 1924, opereta bailada, Cocteau y música de Darius Milhaud. Contó con la colaboración de Picasso de manera secundaria. Es decir, a diferencia de Parade, no realizó los vestuarios que corrieron a cargo de la emergente diseñadora Coco Chanel, ni la escenografía que era obra de Henri Laurens. Sin embargo, Diaghilev quedó prendado de un gouache sobre madera de Picasso de 1922 y éste accedió a que fuera copiado por para ser el telón del ballet, es más, lo firmó y dedicó al empresario. Así, su pareja de bañistas corriendo por una playa se ha convertido en emblema de la colaboración entre Picasso y los Ballets Rusos. Esta obra deslumbró a los espectadores de París y Londres. De hecho, Henry Moore afirmará que este telón cambió su vida.

Coco Chanel (designer), costumes for Le Train Bleu, 1924. Museum no. S.836-1980, S.837-1980. © Victoria & Albert Museum, London

Vestuario de Coco Chanel para Le Train Bleu, 1924. © Victoria & Albert Museum, London

Otra colaboración menor y no directa con los Ballets Rusos fue la realizada en 1924, mismo año que Le Train Bleu pero meses antes, junto con el Conde Etienne de Beaumont para Mercure (Mercurio), que más que un ballet era una sucesión de poses plásticas que daban una interpretación jocosa acerca de la mitología griega. Dicha producción no tuvo una gran acogida. Efectivamente, no gustó a nadie excepto al entrañable Serge Diaghilev.

No obstante, estas dos colaboraciones, aunque puedan considerarse menores, pues no implicaron la complejidad de una escenografía o vestuario completo, dan la pauta a seguir en la futura obra pictórica de Picasso. La carrera de las dos mujeres gigantescas es reflejo de la futura voluminosidad que plasmará tanto en pintura como escultura, y la línea de Mercure mostrará su tendencia hacia un arte más sutil y de línea pura.

Alba S.A.

Picasso por Didier Baussy

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http://www.tkshare.com/Picasso—A-Film-by-Didier-Baussy-Oulianoff–2009.html

Título: Pablo Picasso.

Director: Didier Baussy

Género: Documental.

Duración: 1h. 25 min.

Año: 1987.

Es un documental dirigido por Didier Baussy en el que cuenta la vida de Pablo Ruiz Picasso desde que nace en Málaga en 1881 hasta que muere en Francia en 1973. El director comienza haciendo una comparación muy importante entre el artista y el torero, ya que Picasso durante toda su vida se sintió muy identificado con la figura del toro y esa idea de virilidad, incluso sabemos que el año 1957 hace una serie de grabados de la Tauromaquia en honor a lo español y además un  homenaje a esos famoso grabador como es Goya.

 Habla de las distintas etapas de Picasso desde que llega a La Coruña con diez años hasta cuando llega a Barcelona  y de la relación que tuvo con las distintas mujeres que pasan por su vida.  En 1904 que es cuando comienza el periodo rosa aparecen las figuras de los saltimbanquis y de los personajes que representan a los circos, Baussy menciona el cuadro de La familia de los Saltimbanquis en la que aparecen el propio Picasso y el gordo bufón sería Apollinaire, la figura de la mujer sería su primera mujer Fernand Olivier y el resto sería una familia de acróbatas.

saltihttp://picassopayaso.blogspot.com.es/2013/04/el-guernica-de-los-saltimbanquis.html

Posteriormente aparecen Las Señoritas de Avignon que se dice que es el comienzo del cubismo. Con este movimiento Picasso llegará alcanzar una idea fundamental como es la destrucción de la obra. Picasso dice: “todo acto de creación, es antes un acto de destrucción”.

Pero no sólo destacó por sus pinturas o esculturas, sino también por sus obras literarias, de ahí este pensamiento que compara a la obra artística como una obra literaria,“la pintura nunca era prosa sino poesía, se escribe en versos de rimas plásticas. Son rimas plásticas las formas que reverberan entre ellas respondiendo a otras formas o al espacio que las rodea”. Se dice que en 1935 y 1936 se da cuenta de que no puede pintar más y comienza a escribir.  Aunque a Picasso le interesaba la idea de destrucción, nunca llegó a la abstracción de sus contemporáneos,  sólo hay una escultura  que se podía considerar abstracta que la realizó  en 1923 para conmemorar a su amigo Apollinaire titulada, Figure pour un monument à Guillaume Apollinaire.

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http://www.kalipedia.com/popup/popupWindow.html?anchor=klparthis&tipo=imprimir&titulo=Imprimir%20Art%EDculo&xref=20070718klparthis_150.Kes


La moda de los años 30 influyó mucho en Picasso y durante esta época hace retratos de mujeres con unos sombreros extravagantes que le llamaron mucho la atención. Un ejemplo será la esposa del poeta francés Paul Éluard, Nusch Éluard. Hizó una serie de retratos de esta mujer en la que destacan esos famosos sombreros.

portrait-of-nusch-éluard-1937.jpg!Blog

http://www.wikipaintings.org/en/pablo-picasso/portrait-of-nusch-%C3%A9luard-1937

En torno a los años 50, con setenta años de edad comienza a obsesionarse con la idea de fertilidad y empieza a realizar esculturas con los juguetes de sus hijos como es La Mona y su cría de 1951 siendo la primera obra que realizó a través de materiales reutilizados con los juguetes de sus hijos, además vemos una presencia del primitivismo o arte ibérico que tanto había influido a Picasso.

picasso_mona

http://www.telefonica.net/web2/enriquecastanos/picasso_duncan.htm

Durante estos años 50 comienza a mirar artistas del pasado como son Velázquez o incluso los románticos como Delacroix. Destaca Mujeres en Argel  de 1955 y que lo realizó inspirándose en Delacroix sus Mujeres de Argel y ese turbante con influencia de Matisse. Se dice que Matisse muere en el 1954 y que deja a Picasso como legado  sus Odaliscas .

Les Femmes d'Alger, Blog Picassohttp://picassomitologico.blogspot.com.es/2010_10_11_archive.html

Por último, otra idea fundamental esla de porqué fechar las obras, él sabía que en el futuro el hombre al estudiar el pasado, estudiaría personas de tiempos anteriores y que un ejemplo de ello sería el mismo, para facilitar esos estudios siempre las fechaba.

 

Páginas de interés:

http://winsidermexico.com/2013/04/picasso-y-la-moda-de-eugenio-recuenco/

http://www.revistaimprescindibles.com/arte/la-escultura-magicade-picasso

http://servicios.diariosur.es/picasso/toros2.htm

 Miriam M.P.

Documental Picasso y sus mujeres

Es un documental que nos habla de la vida de Picasso y la relación que tuvo con las mujeres a lo largo de su vida.  Esta historia es contada por tres mujeres: Mª Antonia Rodríguez, Sonia Castelo y Natalia Barceló quieren representar una obra de teatro sobre las mujeres d Picasso y vemos como hablan de ellas intentándolas comprender. Además encontramos como una de sus últimas mujeres, Françoise Gilot nos habla de Picasso y de su relación. Aparece la nieta de Picasso fruto de su relación con Olga Koklova, la cual nos habla de su abuela y además de la última mujer de Picasso que fue Jacqueline Roque.

Como todos sabemos la importancia de la mujer para la pintura de Picasso es fundamental, la aparición de cada mujer abría un nueva etapa en la carrera del pintor apareciendo ésta en todas su pinturas. Cuando la relación se terminaba comenzaba una decadencia en su pintura, una vez fuera del lienzo ellas ya no existen.

Su primera mujer fue Fernande Olivier era una modelo y una mujer muy libre, tras un año de relación comienzan a vivir juntos. Se sabe de los celos de Picasso, e incluso la encerraba para que nadie pudiese retratarla y Fernande escapa para provocarle celos. El problema de Olivier de no tener hijos hará que la relación entre ambos se distancie.  Ella nunca le olvidó e incluso escribió un libro recreando su relación con él en cierta manera no lo había olvidado.  En este momento Picasso está con el cubismo analítico pero cuando su relación comienza a decaer empezamos a ver la presencia de un cubismo sintético que enlaza con su segunda mujer que es Eva Gouel.

Con esta mujer se muda  a una nueva casa a Avignon y en invierno en París. A diferencia de Fernande Olivier, Eva Gouel es una mujer sencilla y frágil. En 1914 comienza la Primera Guerra Mundial es una etapa mala para Picasso porque sus amigos están muriendo y su mujer está muy enferma.

Tendrá varias relaciones durante la guerra una es Gaby Depeyre mujer que trabaja en un cabaret. Otra será Irene Lagut cuya relación tormentosa dura únicamente seis meses. Durante la guerra comenzamos a ver un cambio de estilo hacia un clasicismo, terminando la guerra aparece la tercera mujer y su primera esposa que será Olga Koklova bailarina de la compañía de ballet ruso. Dejará todo por volver con Picasso a París, fruto de su matrimonio en 1918 en 1921 nace su primer hijo Paul. A diferencia de Eva y Fernande, Olga era una mujer lista y culta, introdujo a Picasso en los círculos burgueses pero cansado de ello intenta abandonarla pero Olga se niega, es en este momento en los años 30 cuando comienza hacer retratos monstruosos con el rostro de Olga como es Busto de mujer y autorretrato de 1929.

En 1927 conoce a Marie Thérèse era menor y siempre se mantuvo al margen de Picasso, se dice que fue su amante eterna. En 1935 tienen una hija, Maya, y es cuando abandona definitivamente a Olga.

En 1936 comienza la Guerra Civil española, y es cuando acepta ser director del Museo del Prado. En este momento de la guerra conoce a Dora Maar es fotógrafa surrealista,  mujer complicada e interesante. Introdujo a Picasso en el entorno del surrealismo, y en 1937 cuando Picasso comienza a pintar el Guernica, ella hará el reportaje fotográfico del proceso. Finalmente cuando acaba la guerra su relación comienza a ser muy tensa, de hecho cuando la deja se volverá loca y se la conoció como la mujer que llora.

http://www.javierdelatorre.org/paginas/mujeres%20de%20picasso14.htmhttp://www.javierdelatorre.org/paginas/mujeres%20de%20picasso14.htm

En 1943 conoce a Françoise Gilot que le visita en su estudio durante mucho tiempo, y en 1946 comienzan a vivir juntos. Gilot tendrá dos hijos: Claude y Paloma, será la única que finalmente abandone a Picasso.  Françoise Gilot cuenta en el documental porque Picasso era tan desagradable con las personas, diciendo que era desagradable con la gente que verdaderamente le importaba para poder llegar a lo más profundo de esa persona.

A finales de 1952 conoce a Jacqueline Roque, la cual pasará con él sus últimos veinte años, le separa del resto de mujeres e hijos. Era la mujer sumisa que Picasso quería, tenía lo de todas. En esta época destaca por reinterpretar cuadros famosos, como por ejemplo Las Meninas de 1957.

Por último decir que hay una excepción de mujer retratada y que no fue su amante, sino su gran amiga Gertrude Stein.

Enlaces de interés:

http://www.fundacioncanal.com/4208/ficha-picasso-el-eterno-femenino/?par=exposiciones

http://servicios.elcorreo.com/auladecultura/paula_izquierdo1.html

http://www.cecilgoitia.com.ar/amores_picasso.htm

Blogs relacionados:

http://nousgilot.blogspot.com.es/

http://ellassinpicasso.blogspot.com.es/

Miriam. M.P.

Picasso and Braque go to the movies.

Director: Arne Glimcher.

Productores: Mr. Glimcher, Martin Scorsese y Robert Greenhut.

Año: 2008

Duración: 62 Mins

Género: Documental.

País: Estados Unidos.


Picasso and Braque go to the movies
(Picasso y Braque van al cine, podríamos traducirlo) es un título muy revelador y que quizá no hace del todo justicia al contenido del documental. Pues este no solo se centrará en las posibles películas que estos artistas podrían haber visto y que les habrían influenciado -aunque si se comenta su pertenencia a un club de cine- tanto por ser una nueva invención técnica, como por su fin, captar una escena en movimiento, o como por la temática que aborda y la forma de filmar.

Durante la hora en la que atendemos al visionado del mismo, se irán sucediendo las intervenciones tanto de expertos en historia del cine como de historia del arte en un espacio que simula una exposición de Picasso, Braque y su relación con el cine.

A través de estas intervenciones, se establecerán relaciones entre el cubismo que crearon Braque y Picasso y el cine, además de formarse multitud de similitudes temáticas entre lo filmado y lo representado en los cuadros.Estas similitudes temáticas se centran sobre todo en un objeto: el abanico y una temática común y frecuente en la vanguardia cubista de la que son padres estos artistas y en el cine: la música y los instrumentos musicales. Se relaciona la figura del asesino y maestro del disfraz Fantômas con Picasso, a quien le gustaba crear de sí mismo un personaje, y se comenta que Apollinaire y Max Jacob fundaron la Societé des Amis de Fantômas.

Man with guitar, 1911-1912, G. Braque. http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=79048

Man with guitar, 1911-1912, G. Braque.
http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=79048

Fotograma de Sinfonía bizarra, 1909, de Segundo de Chomón.

Fotograma de Sinfonía bizarra, 1909, de Segundo de Chomón.

00643v

Fotografía de un vuelo realizado por los hermanos Wright en 1904 en Dayton, Ohio.
http://lcweb2.loc.gov/service/pnp/ppprs/00600/00643v.jpg

 
 
 

Aunque no será el cine la únicarevolución que se abordará, también se comenta la evolución técnica de la aviación, su relación con la vanguardia y el interés de estos dos artistas por ella, llegando a llamarse a sí mismos Orville y Wilbur -pioneros de la aviación que realizaron el primer vuelo con motor de la historia-.

Del mismo modo que se hace referencia a la Exposición Universal de París de 1900, tomándola como un punto de partida y a través de la cual estos artistas conocerían nuevos medios y nuevas técnicas que les harían evolucionar. Y no solo conocerán en esta feria innovaciones técnicas, sino que también conocerá Picasso el espectáculo de la Danza Serpentina de Loie Fuller.

Como deja claro el título del documental, está dedicado exclusivamente a Braque y Picasso, dejando de lado a sus sucesores. Se comentarán ambas biografías y cómo en el nacimiento del cubismo las obras de estos dos artistas son intercambiables e indiferenciables. Sin embargo, se percibe una cierta predilección por la figura Picasso, dedicándole más tiempo y espacio, quizá por ser un artista más mitificado.

Además, algo que se debe destacar y que, en mi opinión, es una aportación importante, es la introducción de diversos artistas al discurso que explican cómo ven, observan y entienden este trasvase del cine al arte de Braque y de Picasso. Exponiendo también cómo ellos mismos han sido influenciados por el cine. Entre estos artistas tenemos a Chuck Close, Julian Schnabel, Eric Fischl y Lucas Samaras .

Finaliza el documental con una afirmación en voz de Martin Scorsese, quien también abrirá la película, que me ha parecido una conclusión muy acertada en referencia a la vanguardia cubista y su influencia, dice: ‘Cubism was not a style. It was a revolution that instigated a profoundly radical change of form; in fact a radical change of vision itself’.

Enlaces adicionales:

Vídeo de la Danza Serpentina de Loie Fuller: http://www.youtube.com/watch?v=BZcbntA4bVY

Sobre Fantômas: http://www.fantomas-lives.com/ y http://fantomas.popular-roots.eu/

Sobre la Exposición Universal de 1900 de París:

*Página web: http://www.expositions-universelles.fr/1900-exposition-universelle-Paris.html

*Vídeo: http://www.youtube.com/watch?v=n-4R72jTb74

Lecturas complementarias: 

VV.AA., L’Exposition Universelle de 1900, Paris, 2000.

WILLIAM, R., Picasso y Braque: la invención del Cubismo, Barcelona,1991.

Fuentes:

http://www.arthousefilmsonline.com/2009/02/picasso-braque.html

http://movies.nytimes.com/2010/05/28/movies/28picasso.html?_r=1&

Alba S. A.

El Misterio Picasso

Director: Henri Georges Clouzot.

Título original: Le Mystère Picasso.

Año: 1956.

País: Francia.

Duración: 75 min.

Género: documental.

Este documental muestra algo que cualquier persona interesada en arte siempre hubiera querido presenciar: el artista en su creación, en su inspiración. Y qué mejor ejemplo que Pablo Picasso, con esa personalidad tan arrolladora. Tuvo que venir H. G. Clouzot para que ese deseo se hiciera realidad. Contó con la colaboración del propio Picasso en el guión, ya que las conversaciones que se pueden oír en el documental son totalmente espontáneas, de Claude Renoir en la fotografía, al que también podemos ver en determinados momentos de la grabación, y de Georges Auric en la música, que juega un papel muy importante en la filmación acompañando el trabajo del artista con ritmos de jazz, flamenco y clásica que intensifican el suspense de la producción picassiana.

Porque, sí, este documental es puro suspense, nunca se sabe lo que puede pasar con cada uno de los dieciocho cuadros que pinta. Al mismo tiempo es acción, ya que es la propia pintura la que se erige en protagonista por encima del mismo Picasso, la que lo ocupa todo durante casi toda la filmación. Es arte en estado puro, arte vivo y cambiante. Como dice la crítica Charlotte Garson, “… El film es, pues, una obra de arte en sí misma y la única oportunidad de contemplar unos lienzos que sólo existen sobre el negativo”.

Lo que pretendía Clouzot con ésta grabación es precisamente entrar en la mente del genio, del artista, y deja muy claras esas intenciones nada más empezar la filmación. Quiere conocer lo que pasa en la mente de creadores como Rimbaud o Mozart, pero la única forma de saberlo es mediante la del artista malagueño. Comienza su documental con las siguientes palabras, que a mi parecer son la mejor definición para lo que ilustra este documental:

“Daríamos cualquier cosa por saber lo que pasaba por la mente de Rimbaud mientras escribía “El Barco Ebrio”, en la mente de Mozart mientras componía la Sinfonía Júpiter, por conocer ese mecanismo secreto que guía al creador en su arriesgada aventura. Gracias a Dios, lo que es imposible en la poesía y la música, es posible en la pintura. Para saber lo que ocurre en la mente de un pintor, sólo tenemos que seguir sus manos. Verán la extraña aventura del pintor. Camina, se desliza equilibrándose en la cuerda floja. Una curva lo dirige hacia la derecha, una mancha lo empuja a la izquierda. Si se recupera mal, todo se derrumba, todo se pierde. El pintor avanza a tientas, como una mente ciega en la oscuridad de un lienzo en blanco. Y la luz que aparece progresivamente, el pintor la crea, paradójicamente, acumulando negros. Por primera vez, este drama cotidiano y privado del genial hombre ciego se presentará frente a un público, ya que Pablo Picasso ha accedido a vivirlo hoy frente a usted, con usted.”

Todo se ha rodado en blanco y negro, a excepción de las manchas de color que Picasso aplica a sus creaciones, manchas fieras que pueden engullir de repente parte del lienzo y que pueden hacer cambiar una figura de forma inquietante.

En determinados momentos se puede ver a Picasso charlando con Clouzot, sobre lo que ha pintado, sobre lo que van a hacer… En algunos momentos Clouzot muestra su preocupación debido a que piensa que el público no entenderá muchas de las decisiones que el artista toma, pero Picasso le dice que eso es algo que nunca le ha preocupado y que ya es mayor para empezar a hacerlo.

En las obras que aparecen predomina el tema de la mujer desnuda y el artista que la pinta. el torero herido por la cornada del toro, llegando hasta el circo, la cabeza de la cabra, los bodegones, los collages y la playa, su última obra y la que menos le gusta, llegando a cambiarla tanto que tiene que volver a pintarla de nuevo, aunque el resultado final poco se parece al comienzo. Siempre dibuja en negro para después aplicar el color o el papel. De hecho, la primera imagen que dibuja se colorea en negro, haciendo que el ruido del trazo del rotulador sea la música de la escena. La impresión que puede dar este momento es que el negro se o come todo, sólo deja lo verdaderamente importante.

Son pocos los momentos en los que se ve al pintor en acción, de espaldas a la cámara, aunque es algo que ocurre en ocasiones puntuales pero muy bien meditadas, dinamizando el film. Clouzot le pregunta que cuánto puede seguir haciéndolo, al lo que él le responde que podría hacerlo toda la noche. Es el propio pintor el que decide cuándo introducir el color. Es más, prefiere hacerlo así porque es más divertido. Hay un momento concreto en el que Clouzot le pide a Picasso que diga cuánto tiempo le ha llevado pintar el cuadro, concretamente la cabeza de la cabra, para que los espectadores no se piensen que lo ha hecho en diez minutos. El trabajó le llevó cinco horas.

Este documental es la mente del artista, es la evolución de sus obras tal cual él las va concibiendo en su cabeza. Muestra así su psicología y su personalidad mucho mejor que en una entrevista o en una conversación. Él es su obra, sus trazos son su vida. Y lo que quedó muy bien reflejado en Sobrevivir a Picasso (James Ivory, 1996) se confirma aquí: cuando empieza a pintar un cuadro nunca sabe lo que puede llegar a ser, sus figuras cambian, y lo que puede empezar siendo unos girasoles puede transformarse en un pez para acabar siendo un gallo.

Después de finalizar la filmación, Picasso destruyó la mayoría de los cuadros que pintó para ella. En 1956 el documental ganó el Premio Especial del Jurado de Cannes, y en 1984 el gobierno francés lo declaró tesoro nacional.

Para finalizar me remito a las palabras de Catherine Rambeau, que se refirió a él como “el equivalente del siglo XX a haber visto a Miguel Ángel transformar la Capilla Sixtina”.

Enlaces:

http://www.filmaffinity.com/es/film510152.html

http://www.blogdecine.com/cortometrajes/le-mystere-picasso-un-genio-a-nuestro-alcance

Cristina R. L.