El robo más grande jamás contado

Un variado grupo de delincuentes de poca monta deciden unir sus esfuerzos delictivos para llevar a cabo el golpe que les haga pasar a la historia. Capitaneados por Lucas Santos, alias “El Santo” (Antonio Resines), el cual ya está harto de entrar y salir de la cárcel, deciden robar una de las mayores obras de arte de este país: el Guernica de Pablo Picasso.

En el furgón que le traslada de nuevo a la cárcel por saltarse la condicional, El Santo coincide con sus futuros compañeros: Zorba, “El Greco” (Manuel Manquiña), un loco que sólo quiere dedicarse a la pintura; Pinito (Javier Aller), que tras trabajar en el circo se dedicó a robar maletas en el aeropuerto; y Windows (Jimmy Barnatán), un hacker que vive con su madre y que es capaz de lograr cualquier cosa con un ordenador.

En las duchas de la cárcel, El Greco descubre en la espalda del Santo una mancha que le recuerda a una de las figuras del Guernica, por lo que deciden robar el cuadro para lograr la fama. Al salir de la cárcel comienzan a tramar su plan con la ayuda de un confidente que se hace llamar Garganta Profunda (Sancho Gracia).

Aun por lo ilusorio que pueda parecer, llevan a cabo su plan y se cuelan por la noche en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía con la ayuda de Lucía (Neus Asensi), la mujer del Santo, que es capaz de cualquier cosa por ayudar a su marido, del que sigue enamorada a pesar de su historial delictivo.

La película no es un buen ejemplo sobre la vida y el arte de Picasso, ya que no se centra en la figura del pintor, pero sirve de excusa para hablar de la importancia del Guernica, su máxima expresión. Y eso se puede hacer tanto desde la perspectiva de obra de arte como desde la de documento y testimonio de las desgracias de la guerra. La película da pie a reflexionar sobre la importancia del Guernica, ya no solo en su momento, sino con el paso de los años, en la actualidad.

La obra de Picasso permanece en la memoria colectiva por su impacto, por la audacia del malagueño al presentar un tema que no era nuevo pero con un carácter totalmente innovador. Por la generalización a ver de forma casi diaria imágenes de guerra y de desastres de todo tipo, el público puede encontrarse en cierta medida anestesiado. Y estamos acostumbrados a este tipo de imágenes gracias a la globalización, a los medios de comunicación, las nuevas tecnologías e incluso el cine. Y es por eso que se puede encontrar personas a las que ya no les afecta el cuadro. Pero gracias a él, el recuerdo de lo que sucedió en Guernica sigue estando vivo, hace que las nuevas mentes se interesen por lo que acaeció el 26 de abril de 1937 en aquel pueblo de Vizcaya.

Ya no es solo la historia en sí (lo sucedido, que por su gravedad se recuerda), es el cuadro el que ayuda a que ese recuerdo persista en la memoria como una llamada de atención para que lo que tuvo lugar no se vuelva a repetir.

Es uno de los cuadros más valorados en todo el mundo, el que hace que millones de visitantes acudan de todas partes del mundo al Reina Sofía para verlo. Su precio sería incalculable, dejando de lado que nunca ha sido tasado porque, evidentemente, nunca ha salido a subasta. Pero otras obras de Picasso sí que se han subastado y se encuentran entre las más caras del mundo, por lo que uno se puede hacer una idea de lo que supondría el Guernica en este ámbito. Algunos ejemplos son: La Rêve (El Sueño), 1932, vendido en 2013 por 155 millones de dólares; Desnudo, hojas verdes y busto, 1932, vendido en 2010 por 106,5 millones de dólares; Garçon a la pipe, 1904, vendido en 2004 por 104,1 millones de dólares; Dora Maar au chat, 1941, vendido en 2006 por 95,2 millones de dólares; Femme aux bras croisés, 1904, vendido en 2000 por 55 millones de dólares; Las bodas de Pierrete, 1904, vendido en 1989 por 51,9 millones de dólares.

Aparece en todas las listas de cuadros más famosos, todo el mundo lo tiene en muy alta consideración, conozca su historia o no, haya visto el cuadro o no. Todo el mundo conoce el cuadro aun sin haberlo visto nunca. Se ha convertido en un símbolo, en un icono que va más allá de la simple obra de arte. Lo que empezó siendo la representación del horror, ahora aparece reproducido en cualquier sitio. Aun así no deja de ser la mejor obra de Picasso, un cuadro que perdurará para siempre.

Enlaces:

Para la película:

http://www.labutaca.net/films/12/elrobomasgrandejamascontado.htm

http://www.filmaffinity.com/es/film523143.html

Para las listas de las obras más caras, las más importantes de Picasso y las más famosas:

http://listas.eleconomista.es/arteycultura/1292-las-10-mejores-obras-de-pablo-picasso

http://losmejorestop10.blogspot.com.es/2010/05/los-cuadros-mas-famosos-del-mundo-las.html

http://www.theartwolf.com/10_expensive_es.htm

Cristina R. L.

Documental Picasso y sus mujeres

Es un documental que nos habla de la vida de Picasso y la relación que tuvo con las mujeres a lo largo de su vida.  Esta historia es contada por tres mujeres: Mª Antonia Rodríguez, Sonia Castelo y Natalia Barceló quieren representar una obra de teatro sobre las mujeres d Picasso y vemos como hablan de ellas intentándolas comprender. Además encontramos como una de sus últimas mujeres, Françoise Gilot nos habla de Picasso y de su relación. Aparece la nieta de Picasso fruto de su relación con Olga Koklova, la cual nos habla de su abuela y además de la última mujer de Picasso que fue Jacqueline Roque.

Como todos sabemos la importancia de la mujer para la pintura de Picasso es fundamental, la aparición de cada mujer abría un nueva etapa en la carrera del pintor apareciendo ésta en todas su pinturas. Cuando la relación se terminaba comenzaba una decadencia en su pintura, una vez fuera del lienzo ellas ya no existen.

Su primera mujer fue Fernande Olivier era una modelo y una mujer muy libre, tras un año de relación comienzan a vivir juntos. Se sabe de los celos de Picasso, e incluso la encerraba para que nadie pudiese retratarla y Fernande escapa para provocarle celos. El problema de Olivier de no tener hijos hará que la relación entre ambos se distancie.  Ella nunca le olvidó e incluso escribió un libro recreando su relación con él en cierta manera no lo había olvidado.  En este momento Picasso está con el cubismo analítico pero cuando su relación comienza a decaer empezamos a ver la presencia de un cubismo sintético que enlaza con su segunda mujer que es Eva Gouel.

Con esta mujer se muda  a una nueva casa a Avignon y en invierno en París. A diferencia de Fernande Olivier, Eva Gouel es una mujer sencilla y frágil. En 1914 comienza la Primera Guerra Mundial es una etapa mala para Picasso porque sus amigos están muriendo y su mujer está muy enferma.

Tendrá varias relaciones durante la guerra una es Gaby Depeyre mujer que trabaja en un cabaret. Otra será Irene Lagut cuya relación tormentosa dura únicamente seis meses. Durante la guerra comenzamos a ver un cambio de estilo hacia un clasicismo, terminando la guerra aparece la tercera mujer y su primera esposa que será Olga Koklova bailarina de la compañía de ballet ruso. Dejará todo por volver con Picasso a París, fruto de su matrimonio en 1918 en 1921 nace su primer hijo Paul. A diferencia de Eva y Fernande, Olga era una mujer lista y culta, introdujo a Picasso en los círculos burgueses pero cansado de ello intenta abandonarla pero Olga se niega, es en este momento en los años 30 cuando comienza hacer retratos monstruosos con el rostro de Olga como es Busto de mujer y autorretrato de 1929.

En 1927 conoce a Marie Thérèse era menor y siempre se mantuvo al margen de Picasso, se dice que fue su amante eterna. En 1935 tienen una hija, Maya, y es cuando abandona definitivamente a Olga.

En 1936 comienza la Guerra Civil española, y es cuando acepta ser director del Museo del Prado. En este momento de la guerra conoce a Dora Maar es fotógrafa surrealista,  mujer complicada e interesante. Introdujo a Picasso en el entorno del surrealismo, y en 1937 cuando Picasso comienza a pintar el Guernica, ella hará el reportaje fotográfico del proceso. Finalmente cuando acaba la guerra su relación comienza a ser muy tensa, de hecho cuando la deja se volverá loca y se la conoció como la mujer que llora.

http://www.javierdelatorre.org/paginas/mujeres%20de%20picasso14.htmhttp://www.javierdelatorre.org/paginas/mujeres%20de%20picasso14.htm

En 1943 conoce a Françoise Gilot que le visita en su estudio durante mucho tiempo, y en 1946 comienzan a vivir juntos. Gilot tendrá dos hijos: Claude y Paloma, será la única que finalmente abandone a Picasso.  Françoise Gilot cuenta en el documental porque Picasso era tan desagradable con las personas, diciendo que era desagradable con la gente que verdaderamente le importaba para poder llegar a lo más profundo de esa persona.

A finales de 1952 conoce a Jacqueline Roque, la cual pasará con él sus últimos veinte años, le separa del resto de mujeres e hijos. Era la mujer sumisa que Picasso quería, tenía lo de todas. En esta época destaca por reinterpretar cuadros famosos, como por ejemplo Las Meninas de 1957.

Por último decir que hay una excepción de mujer retratada y que no fue su amante, sino su gran amiga Gertrude Stein.

Enlaces de interés:

http://www.fundacioncanal.com/4208/ficha-picasso-el-eterno-femenino/?par=exposiciones

http://servicios.elcorreo.com/auladecultura/paula_izquierdo1.html

http://www.cecilgoitia.com.ar/amores_picasso.htm

Blogs relacionados:

http://nousgilot.blogspot.com.es/

http://ellassinpicasso.blogspot.com.es/

Miriam. M.P.

Picasso en stop-motion

Cartel de MinotauromaquiaMinotauromaquia, Pablo en el laberinto (2004) es un corto de Juan Pablo Etcheverry que muestra, en clave de “película de terror”, a un Picasso anciano de plastilina huyendo por un laberinto de un minotauro sediento de sangre que sólo quiere encontrar al artista para recuperar el carboncillo que le ha robado, y de paso acabar con él. Al final, Picasso dibuja su paloma de la paz en la pared y cobra vida, destruyendo al minutauro. Termina saliendo del laberinto y nos muestra más claramente el inicio del corto: un joven Picasso en su taller pintando Las Señoritas de Avignon.

Este corto, que estuvo nominado a un Goya y se expuso en el MoMa, presenta varias cuestiones interesantes. En primer lugar, durante su huida por el laberinto Picasso se va encontrando con varias recreaciones de sus obras: Guernica en llamas y junto a la ciudad elementos de su famoso cuadro (el guerrero muerto, la mujer con la vela que le guía hasta allí, y el caballo con la flecha clavada); Paulo vestido de arlequín que huye hacia su madre, Olga, en la misma postura que en el cuadro Olga en un sillón (1917); algunas paredes del laberinto están construidas con la estética cubista; y hacia el final del corto llega a un espacio donde hay muchísimos de sus personajes reunidos: el escultor retratando a su modelo, el niño sobre el balón y el hombre fortudo sobre un cubo de Muchacho con balón (1905), a Igor Stravinsky como en uno de sus dibujos del malagueño (quien además es el compositor de la música que ha elegido Etcheverry para el corto), entre otros. Fotograma Minotauromaquia 2

 

Mujer llorando- Picasso

Mujer llorando (1937)

Etcheverry va más allá que Picasso, su principal referente cuando estudió Bellas Artes, puesto que todas sus figuras, en un espectro muy amplio de su producción, son verdaderamente tridimensionales y están moviéndose. Han escapado del marco del lienzo o del papel para ser personajes secundarios de la obra de Etcheverry. Más aun, algunas de ellas se han visto modificadas. Por ejemplo el retrato de Stravinsky en blanco y negro recupera el color y la Mujer llorando (1937), que en el cuadro de Picasso sólo muestra el rostro, en el corto tiene todo el cuerpo.

El minotauro se ha interpretado como el lado salvaje y lujurioso de Picasso, su parte de artista genial que, como expresa Sylvie Vautier, “despierta la misma fascinación que su compañero mitológico: admiración y miedo”. Sin embargo en el corto adquiere más las connotaciones del mito clásico: el ser terrible que devora a los jóvenes sacrificados, que persigue a Picasso como si fuera la personificación de los demonios del artista, y que en este caso es derrotado por un Picasso-Teseo. Desde luego el propio artista nunca mató ese lado que formaba parte de su personalidad, por tanto la visión de Etcheverry es opuesta a la visión tradicional de este ser con respecto a Picasso.

El director nos presenta así, con este original corto, el laberinto creador en el que el joven Picasso del inicio y final está introduciéndose desde que pintara su gran obra Las Señoritas de Avignon, desarrollando a lo largo de toda su vida diversos lenguajes que harían de él un artista polifacético y único.

FUENTES:

GÓMEZ GÓMEZ, A. (coord.), Picasso: arte y cine, Fundación Picasso: Ayuntamiento de Málaga, 2011.

http://catalogo.artium.org/dossieres/3/minotauromaquia-pablo-en-el-laberinto

Corto > http://www.youtube.com/watch?v=0VTWWUJvMRo

Estefanía R.N.

Picasso and Braque go to the movies.

Director: Arne Glimcher.

Productores: Mr. Glimcher, Martin Scorsese y Robert Greenhut.

Año: 2008

Duración: 62 Mins

Género: Documental.

País: Estados Unidos.


Picasso and Braque go to the movies
(Picasso y Braque van al cine, podríamos traducirlo) es un título muy revelador y que quizá no hace del todo justicia al contenido del documental. Pues este no solo se centrará en las posibles películas que estos artistas podrían haber visto y que les habrían influenciado -aunque si se comenta su pertenencia a un club de cine- tanto por ser una nueva invención técnica, como por su fin, captar una escena en movimiento, o como por la temática que aborda y la forma de filmar.

Durante la hora en la que atendemos al visionado del mismo, se irán sucediendo las intervenciones tanto de expertos en historia del cine como de historia del arte en un espacio que simula una exposición de Picasso, Braque y su relación con el cine.

A través de estas intervenciones, se establecerán relaciones entre el cubismo que crearon Braque y Picasso y el cine, además de formarse multitud de similitudes temáticas entre lo filmado y lo representado en los cuadros.Estas similitudes temáticas se centran sobre todo en un objeto: el abanico y una temática común y frecuente en la vanguardia cubista de la que son padres estos artistas y en el cine: la música y los instrumentos musicales. Se relaciona la figura del asesino y maestro del disfraz Fantômas con Picasso, a quien le gustaba crear de sí mismo un personaje, y se comenta que Apollinaire y Max Jacob fundaron la Societé des Amis de Fantômas.

Man with guitar, 1911-1912, G. Braque. http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=79048

Man with guitar, 1911-1912, G. Braque.
http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=79048

Fotograma de Sinfonía bizarra, 1909, de Segundo de Chomón.

Fotograma de Sinfonía bizarra, 1909, de Segundo de Chomón.

00643v

Fotografía de un vuelo realizado por los hermanos Wright en 1904 en Dayton, Ohio.
http://lcweb2.loc.gov/service/pnp/ppprs/00600/00643v.jpg

 
 
 

Aunque no será el cine la únicarevolución que se abordará, también se comenta la evolución técnica de la aviación, su relación con la vanguardia y el interés de estos dos artistas por ella, llegando a llamarse a sí mismos Orville y Wilbur -pioneros de la aviación que realizaron el primer vuelo con motor de la historia-.

Del mismo modo que se hace referencia a la Exposición Universal de París de 1900, tomándola como un punto de partida y a través de la cual estos artistas conocerían nuevos medios y nuevas técnicas que les harían evolucionar. Y no solo conocerán en esta feria innovaciones técnicas, sino que también conocerá Picasso el espectáculo de la Danza Serpentina de Loie Fuller.

Como deja claro el título del documental, está dedicado exclusivamente a Braque y Picasso, dejando de lado a sus sucesores. Se comentarán ambas biografías y cómo en el nacimiento del cubismo las obras de estos dos artistas son intercambiables e indiferenciables. Sin embargo, se percibe una cierta predilección por la figura Picasso, dedicándole más tiempo y espacio, quizá por ser un artista más mitificado.

Además, algo que se debe destacar y que, en mi opinión, es una aportación importante, es la introducción de diversos artistas al discurso que explican cómo ven, observan y entienden este trasvase del cine al arte de Braque y de Picasso. Exponiendo también cómo ellos mismos han sido influenciados por el cine. Entre estos artistas tenemos a Chuck Close, Julian Schnabel, Eric Fischl y Lucas Samaras .

Finaliza el documental con una afirmación en voz de Martin Scorsese, quien también abrirá la película, que me ha parecido una conclusión muy acertada en referencia a la vanguardia cubista y su influencia, dice: ‘Cubism was not a style. It was a revolution that instigated a profoundly radical change of form; in fact a radical change of vision itself’.

Enlaces adicionales:

Vídeo de la Danza Serpentina de Loie Fuller: http://www.youtube.com/watch?v=BZcbntA4bVY

Sobre Fantômas: http://www.fantomas-lives.com/ y http://fantomas.popular-roots.eu/

Sobre la Exposición Universal de 1900 de París:

*Página web: http://www.expositions-universelles.fr/1900-exposition-universelle-Paris.html

*Vídeo: http://www.youtube.com/watch?v=n-4R72jTb74

Lecturas complementarias: 

VV.AA., L’Exposition Universelle de 1900, Paris, 2000.

WILLIAM, R., Picasso y Braque: la invención del Cubismo, Barcelona,1991.

Fuentes:

http://www.arthousefilmsonline.com/2009/02/picasso-braque.html

http://movies.nytimes.com/2010/05/28/movies/28picasso.html?_r=1&

Alba S. A.

El Misterio Picasso

Director: Henri Georges Clouzot.

Título original: Le Mystère Picasso.

Año: 1956.

País: Francia.

Duración: 75 min.

Género: documental.

Este documental muestra algo que cualquier persona interesada en arte siempre hubiera querido presenciar: el artista en su creación, en su inspiración. Y qué mejor ejemplo que Pablo Picasso, con esa personalidad tan arrolladora. Tuvo que venir H. G. Clouzot para que ese deseo se hiciera realidad. Contó con la colaboración del propio Picasso en el guión, ya que las conversaciones que se pueden oír en el documental son totalmente espontáneas, de Claude Renoir en la fotografía, al que también podemos ver en determinados momentos de la grabación, y de Georges Auric en la música, que juega un papel muy importante en la filmación acompañando el trabajo del artista con ritmos de jazz, flamenco y clásica que intensifican el suspense de la producción picassiana.

Porque, sí, este documental es puro suspense, nunca se sabe lo que puede pasar con cada uno de los dieciocho cuadros que pinta. Al mismo tiempo es acción, ya que es la propia pintura la que se erige en protagonista por encima del mismo Picasso, la que lo ocupa todo durante casi toda la filmación. Es arte en estado puro, arte vivo y cambiante. Como dice la crítica Charlotte Garson, “… El film es, pues, una obra de arte en sí misma y la única oportunidad de contemplar unos lienzos que sólo existen sobre el negativo”.

Lo que pretendía Clouzot con ésta grabación es precisamente entrar en la mente del genio, del artista, y deja muy claras esas intenciones nada más empezar la filmación. Quiere conocer lo que pasa en la mente de creadores como Rimbaud o Mozart, pero la única forma de saberlo es mediante la del artista malagueño. Comienza su documental con las siguientes palabras, que a mi parecer son la mejor definición para lo que ilustra este documental:

“Daríamos cualquier cosa por saber lo que pasaba por la mente de Rimbaud mientras escribía “El Barco Ebrio”, en la mente de Mozart mientras componía la Sinfonía Júpiter, por conocer ese mecanismo secreto que guía al creador en su arriesgada aventura. Gracias a Dios, lo que es imposible en la poesía y la música, es posible en la pintura. Para saber lo que ocurre en la mente de un pintor, sólo tenemos que seguir sus manos. Verán la extraña aventura del pintor. Camina, se desliza equilibrándose en la cuerda floja. Una curva lo dirige hacia la derecha, una mancha lo empuja a la izquierda. Si se recupera mal, todo se derrumba, todo se pierde. El pintor avanza a tientas, como una mente ciega en la oscuridad de un lienzo en blanco. Y la luz que aparece progresivamente, el pintor la crea, paradójicamente, acumulando negros. Por primera vez, este drama cotidiano y privado del genial hombre ciego se presentará frente a un público, ya que Pablo Picasso ha accedido a vivirlo hoy frente a usted, con usted.”

Todo se ha rodado en blanco y negro, a excepción de las manchas de color que Picasso aplica a sus creaciones, manchas fieras que pueden engullir de repente parte del lienzo y que pueden hacer cambiar una figura de forma inquietante.

En determinados momentos se puede ver a Picasso charlando con Clouzot, sobre lo que ha pintado, sobre lo que van a hacer… En algunos momentos Clouzot muestra su preocupación debido a que piensa que el público no entenderá muchas de las decisiones que el artista toma, pero Picasso le dice que eso es algo que nunca le ha preocupado y que ya es mayor para empezar a hacerlo.

En las obras que aparecen predomina el tema de la mujer desnuda y el artista que la pinta. el torero herido por la cornada del toro, llegando hasta el circo, la cabeza de la cabra, los bodegones, los collages y la playa, su última obra y la que menos le gusta, llegando a cambiarla tanto que tiene que volver a pintarla de nuevo, aunque el resultado final poco se parece al comienzo. Siempre dibuja en negro para después aplicar el color o el papel. De hecho, la primera imagen que dibuja se colorea en negro, haciendo que el ruido del trazo del rotulador sea la música de la escena. La impresión que puede dar este momento es que el negro se o come todo, sólo deja lo verdaderamente importante.

Son pocos los momentos en los que se ve al pintor en acción, de espaldas a la cámara, aunque es algo que ocurre en ocasiones puntuales pero muy bien meditadas, dinamizando el film. Clouzot le pregunta que cuánto puede seguir haciéndolo, al lo que él le responde que podría hacerlo toda la noche. Es el propio pintor el que decide cuándo introducir el color. Es más, prefiere hacerlo así porque es más divertido. Hay un momento concreto en el que Clouzot le pide a Picasso que diga cuánto tiempo le ha llevado pintar el cuadro, concretamente la cabeza de la cabra, para que los espectadores no se piensen que lo ha hecho en diez minutos. El trabajó le llevó cinco horas.

Este documental es la mente del artista, es la evolución de sus obras tal cual él las va concibiendo en su cabeza. Muestra así su psicología y su personalidad mucho mejor que en una entrevista o en una conversación. Él es su obra, sus trazos son su vida. Y lo que quedó muy bien reflejado en Sobrevivir a Picasso (James Ivory, 1996) se confirma aquí: cuando empieza a pintar un cuadro nunca sabe lo que puede llegar a ser, sus figuras cambian, y lo que puede empezar siendo unos girasoles puede transformarse en un pez para acabar siendo un gallo.

Después de finalizar la filmación, Picasso destruyó la mayoría de los cuadros que pintó para ella. En 1956 el documental ganó el Premio Especial del Jurado de Cannes, y en 1984 el gobierno francés lo declaró tesoro nacional.

Para finalizar me remito a las palabras de Catherine Rambeau, que se refirió a él como “el equivalente del siglo XX a haber visto a Miguel Ángel transformar la Capilla Sixtina”.

Enlaces:

http://www.filmaffinity.com/es/film510152.html

http://www.blogdecine.com/cortometrajes/le-mystere-picasso-un-genio-a-nuestro-alcance

Cristina R. L.

“El joven Picasso” capítulo 3.

En el tercer capítulo de la miniserie, nos encontramos a Picasso ya en 1904 en París recién trasladado a Montmartre, lugar donde antes habían vivido Gauguin, Van Gogh entre otros, por tanto un lugar de artistas. Se asienta en un amplio estudio muy luminoso, tan diferente de lo que hemos visto con anterioridad.

Es en este edificio donde conoce a la que fue su primera pareja sentimental, Fernande Olivier, esta relación influye sobremanera a Picasso y pasa de esas obras cuyos protagonistas son los estamentos más bajos, a hacer numerosos retratos en los cuales podemos ver la evolución de su pintura y como a poco va avanzando hasta llegar a la etapa rosa donde el color azul deja paso a una paleta de mayor variedad cromática.

Otro aspecto a destacar de este momento es que el circo llega a París, entonces Picasso junto a Fernande Olivier y Max deciden ir al circo, este nuevo espectáculo asombra muchísimo a Picasso y comienza a realizar numerosas obras donde las gentes del circo son las protagonistas de sus obras como por ejemplo la obra la acróbata de la bola la cual la podemos ver en el estudio de Picasso a lo largo de todo el capítulo, junto a otras como Chico con pipa o Hombre con órgano de manivela y joven arlequín las cuales tendrán gran importancia más adelante. Pero la obra que se lleva más ovación por parte de su pareja como sus amigos más cercanos es la obra Los Acróbatas, conocida hoy en día como la Familia de Acróbatas.

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La Familia de Acróbatas

Como ya hacía Bardem en el capítulo anterior, introduce ese flashback, el cual nos sitúa en La Coruña en 1895 donde Concha, hermana de Picasso, enferma de difteria muere, tras esto Picasso y su familia se trasladan a Málaga, pero primero hacen una parada en Madrid donde padre e hijo van al Museo del Prado donde observan la obra de Velázquez y El Greco que tanto impresionaron a Picasso.

Ya en 1905 Picasso sigue en París y conoce al matrimonio estadounidense Stein, el pintor malagueño hace un retrato a Gertrude Stein, un trabajo algo arduo y complicado para Picasso que no consigue capturar esa esencia del rostro de la mujer, y la hace posar durante largas horas para realizar el retrato. Una actividad importante de este matrimonio era su afán coleccionista y fruto de ello conocían a numerosos artistas, y es en una de sus reuniones donde presentan a Picasso y Matisse y se produce un enfrentamiento entre ambos por sus distintas pinturas, Matisse le recrimina que haga una pintura dura donde se representa la cruda realidad, y Picasso que esa faceta tan colorista es algo que él ya ha hecho en el pasado.

Para finalizar este capítulo el marchante Ambroise Vollard vista el taller de Picasso en el cual ve todas las obras que Picasso tenía y decide comprar un buen número de estas, como Hombre con órgano de manivela y joven arlequín y Chico con Pipa entre otras muchas, por las cuales pagó una buena suma de dinero.

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Muchacho con pipa

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Hombre con órgano de manivela y joven arlequín

 

 

 

 

 

 

Fuentes:

http://4.bp.blogspot.com/_WPzGWjuobaI/TBf5z9aLhtI/AAAAAAAAA5s/64o63gs2-bk/s1600/1905+-+Familia+de+acr%C3%B3batas.jpg

http://deplatayexacto.files.wordpress.com/2010/07/muchacho-con-pipa-pablo-picasso-1905.jpg

Para saber más:

http://www.matisse-picasso.org/  Web donde se confronta y habla de la obra de ambos.

Matisse and Picasso: the story of their rivalry and friendship, Jack Flam.

Omar. O.C.


Fraude.

Director: Orson Welles.

Título original: F for Fake.

Año: 1973.

Duración: 89 min.

Género: Documental.

Este documental, escrito y dirigido por Orson Welles, por todos conocido por la célebre película Ciudadano Kane y por haber creado el pánico en 1938 con su adaptación radiofónica de La Guerra de los Mundos. Se centra en torno a la idea de la falsificación. Lo hace a través de Elmyr de Hory (nacido Hoffmann Elemér, Budapest, 1906 – Ibiza, 1976), uno de los más grandes falsificadores de obras de arte y su biógrafo y, a su vez, autor de una gran estafa: Clifford Irving.

Con un truco de magia comienza Orson Welles, narrador del documental y continua presencia en el mismo, esta cinta en la que reflexiona sobre la falsificación y los conceptos de autoría en el arte. Sobre lo real y lo ficticio, conceptos que siempre lo acompañaron a lo largo de su carrera.

Es una obra de montaje, en la que se demuestra la maestría y el ‘genio’ que poseía Welles, pues cabe mencionar que la mayor parte de la película no está realizada con material rodado por él, sino con descartes de un documental de François Reichenbach.

En el inicio de la película, Welles nos comunica y promete que estará 60 minutos contándonos la verdad y, de hecho, así lo hace. Intercalando y contando las historias de los ya mencionados falsificadores, con un ritmo rápido que con las múltiples repeticiones de algunos fragmentos puede llegar a ser un tanto asfixiante. Sin embargo, tras un monólogo en el que el tono y ritmo del documental cambian y se relajan, introduce una historia inventada, una farsa que protagoniza una joven que ya nos había presentado en las primeras escenas del film y Picasso. Picasso como víctima de un fraude, de un engaño por parte de la joven (Oja Kodar) y su abuelo un falsificador. Es curioso cómo introduce Welles la figura de Picasso: es una foto que aparece detrás de una ventana, es un collage, y vuelve a ser una farsa su presencia.

Fotograma en el que vemos cómo introduce la figura de Picasso. (Foto: Alba Sanz)

No es la única aparición de Picasso, ya que narrando la historia de Elmyr aparece citado en varias ocasiones ya que este falsificador también pintaba a la manera de Picasso, tanto o más que a la de Matisse, Van Dongen o Modigliani.

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Fotografía de la exposición. (Foto: Alba Sanz)

Ahora, desde el día 6 de febrero y hasta el 12 de mayo, es posible descubrir algunas de estas falsificaciones realizadas por Elmyr en las paredes del Círculo de Bellas Artes de Madrid como en tiempo colgaron de paredes de importantes museos con la diferencia, eso sí, de que estas están identificadas como copias y no ya como auténticas.

Además de los lienzos, revistas, periódicos y documentos gráficos varios complementan la exposición, destacando la obra documental creada por el CBA: Historias como cuerpos.

Unido a la exposición se realiza PROYECTOO FAKE! en Cine Estudio con la proyección de películas, todas ellas girando en torno al tema de la exposición, autoría de la obra de arte y autenticidad, como El Tercer Hombre, Belle de Jour, The Rutles: All You Need Is Cash, Los Modernos, Exit Through The Gift Shop y la propia Fraude. (más información y programación aquí.

Para finalizar y también complementando a la exposición, se realizará los días 16, 17 y 18 de este mes un congreso homónimo a la exposición. (Aquí el programa)

Lecturas complementarias:

-Biografía de Elmyr: IRVING, C., ¡Fraude! La historia de Elmyr de Hory, el pintor más discutido de nuestro tiempo, Barcelona, 2009.

-La falsa autobiografía de Howard Hughes que escribió Irving: IRVING, C., Autobiografía de Howard Hughes, Madrid, 1975.

-Catálogo de la exposición del Círculo de Bellas Artes: VV.AA., Proyecto Fake! Elmyr de Hory, Madrid, 2013.

Alba S.A.