El cine que vendrá: 33 Días

Son muchas las películas que se han hecho sobre Pablo Picasso y sobre su obra, pero hay algo de lo que no cabe duda alguna: que en los años futuros se harán muchas más. Y será así porque, aun a día de hoy, tras cuarenta años sin el genio entre nosotros, su persona sigue siendo un ente magnético que atrae a todo el que  se acerque y su obra sigue despertando la intriga y el misterio entre los que la admiran.

El proyecto más cercano al presente es el largometraje que Carlos Saura está preparando desde el año 2012 en estrecha colaboración con Elías Querejeta. La dirección corre a cargo del primero, mientras que el guión lo elaboraron ambos junto con Louis-Charles Sirjacq. De la fotografía se ocupará el oscarizado Vittorio Storaro. La película, que fue presentada en el festival de Cannes en 2011 por su propio director, se rodará entre España (en junio de 2012 Saura estuvo buscando localidades de rodaje en el mismo Guernica) y Francia, aunque la fecha de comienzo del rodaje aun no se ha confirmado, es más, debía haber comenzado en septiembre del 2012. Es posible que finalmente se lleve a cabo a finales de este año o a comienzos del que viene.

1937, un Picasso que dirige el Museo del Prado recibe un encargo del gobierno republicano: necesitan un cuadro para el pabellón español de la Exposición Internacional de París. Durante un tiempo no sabe si qué hacer, hasta que en abril de ese mismo año tiene lugar un suceso terrible que le hace reaccionar: la aviación alemana e italiana bombardean Guernica. La noticia da la vuelta al mundo y aparece en la prensa internacional. El suceso da pie a Picasso para pintar un cuadro como nunca antes se había hecho: el 1 de mayo alquila un estudio en la Rue Grands Agustins y comienza a pintar su obra cumbre, el Guernica. Es un periodo de intenso trabajo pero también de cambio respecto a su vida sentimental con la aparición de Dora Maar, una mujer que representa todo lo contrario a Marie-Thérèse Walter, madre de su hija Maya. Maar, además de amante, será fundamental para el Guernica, ya que como fotógrafa profesional, se dedica a fotografiar el periodo de gestación del cuadro. Es muy posible que en la película se incluya la pelea que tuvo lugar entre las dos en el estudio de Picasso mientras éste trabajaba en el cuadro, una escena que ya pudimos ver en Sobrevivir a Picasso (James Ivory, 1996), en la cual además pudimos ver brevemente al pintor en pleno proceso de trabajo.

Lógicamente, el apartado interpretativo al comienzo del proyecto era una incógnita. La idea era buscar tanto actores españoles como franceses, prestando especial atención primero a la figura de Picasso y después a la de la gente que le rodeaba, tanto sus amantes como sus ayudantes, amigos e intelectuales de su círculo. A mediados del 2012 las noticias de la película en la prensa aumentaron considerablemente: Antonio Banderas estaba en negociaciones para unirse al proyecto interpretando al pintor malagueño. Una vez que se convirtió en algo de hecho, las noticias en la prensa internacional también fueron creciendo debido a la fama internacional del actor.

Banderas decidió documentarse a fondo para preparar este personaje de tan magna envergadura, pero no quería quedarse en los libros, en la frialdad del papel y de las biografías. Es por ello que comenzó a tomar clases de pintura, llegando a decir: “Quiero acabar oliendo a pintura, quiero oler a aguarrás, quiero oler a Picasso”. Trabajó el guión tanto en español como en francés. Picasso es una figura que atrae mucho al malagueño, le fascina, y asegura que aunque le  impone mucho, no teme su interpretación. Además de todo eso, llegó a contactar con Paloma Picasso, la hija del artista, para tener un acercamiento a su personaje lo más vivo posible. En muchas entrevistas cuenta que, cenando juntos en Los Ángeles, ella cerraba los ojos para escucharle hablar porque decía que le recordaba a su padre, porque tenía el mismo acento malagueño que el pintor conservaba aun residiendo en París.

Sobre quién interpretaría a las amantes de Picasso en el momento que retrata la película nada se sabía, tal vez que el papel Marie-Thérèse Walter correría a cargo de alguna actriz francesa. Tras las pertinentes negociaciones, en marzo de 2012 se confirmó que Gwyneth Paltrow interpretaría a Dora Maar, figura fundamental para la película como fotógrafa además de amante, ya que documentó todo el proceso de formación y transformación del Guernica. Fue una sugerencia del propio Banderas al director. No hay muchos más actores confirmados. Entre el cast español se puede destacar a Imanol Arias en el papel de José Bergamín y a Bárbara Goenaga en el de una de las ayudantes del pintor malagueño.

Por el momento no se tienen muchas más noticias sobre este filme sobre la gestación del Guernica y las circunstancias que rodearon al pintor y a su encargo en esos momentos. En cualquier caso, la producción cuenta con una interesante página web que contiene un gran libreto de prensa con numerosas noticias sobre la película, los actores, el guionista y el director, incluyendo entrevistas de los mismos. Un gran trabajo de recopilación de información para todo el que quiera saber algo del proyecto. Sólo falta por saber la fecha de rodaje y de estreno de un proyecto que se espera con gran expectación.

Enlaces de interés:

http://www.guernica33days.com/

http://www.imdb.com/title/tt2258237/

http://www.historiadelarte.us/pintores/guernica/pablo-picasso-historia-guernica-1.html

El dossier de prensa así como el cartel lo podéis encontrar en la página web de la película. Aquí os dejo el link directo al dossier:

http://www.guernica33days.com/pressbook.html

Cristina R. L.

Anuncios

El robo más grande jamás contado

Un variado grupo de delincuentes de poca monta deciden unir sus esfuerzos delictivos para llevar a cabo el golpe que les haga pasar a la historia. Capitaneados por Lucas Santos, alias “El Santo” (Antonio Resines), el cual ya está harto de entrar y salir de la cárcel, deciden robar una de las mayores obras de arte de este país: el Guernica de Pablo Picasso.

En el furgón que le traslada de nuevo a la cárcel por saltarse la condicional, El Santo coincide con sus futuros compañeros: Zorba, “El Greco” (Manuel Manquiña), un loco que sólo quiere dedicarse a la pintura; Pinito (Javier Aller), que tras trabajar en el circo se dedicó a robar maletas en el aeropuerto; y Windows (Jimmy Barnatán), un hacker que vive con su madre y que es capaz de lograr cualquier cosa con un ordenador.

En las duchas de la cárcel, El Greco descubre en la espalda del Santo una mancha que le recuerda a una de las figuras del Guernica, por lo que deciden robar el cuadro para lograr la fama. Al salir de la cárcel comienzan a tramar su plan con la ayuda de un confidente que se hace llamar Garganta Profunda (Sancho Gracia).

Aun por lo ilusorio que pueda parecer, llevan a cabo su plan y se cuelan por la noche en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía con la ayuda de Lucía (Neus Asensi), la mujer del Santo, que es capaz de cualquier cosa por ayudar a su marido, del que sigue enamorada a pesar de su historial delictivo.

La película no es un buen ejemplo sobre la vida y el arte de Picasso, ya que no se centra en la figura del pintor, pero sirve de excusa para hablar de la importancia del Guernica, su máxima expresión. Y eso se puede hacer tanto desde la perspectiva de obra de arte como desde la de documento y testimonio de las desgracias de la guerra. La película da pie a reflexionar sobre la importancia del Guernica, ya no solo en su momento, sino con el paso de los años, en la actualidad.

La obra de Picasso permanece en la memoria colectiva por su impacto, por la audacia del malagueño al presentar un tema que no era nuevo pero con un carácter totalmente innovador. Por la generalización a ver de forma casi diaria imágenes de guerra y de desastres de todo tipo, el público puede encontrarse en cierta medida anestesiado. Y estamos acostumbrados a este tipo de imágenes gracias a la globalización, a los medios de comunicación, las nuevas tecnologías e incluso el cine. Y es por eso que se puede encontrar personas a las que ya no les afecta el cuadro. Pero gracias a él, el recuerdo de lo que sucedió en Guernica sigue estando vivo, hace que las nuevas mentes se interesen por lo que acaeció el 26 de abril de 1937 en aquel pueblo de Vizcaya.

Ya no es solo la historia en sí (lo sucedido, que por su gravedad se recuerda), es el cuadro el que ayuda a que ese recuerdo persista en la memoria como una llamada de atención para que lo que tuvo lugar no se vuelva a repetir.

Es uno de los cuadros más valorados en todo el mundo, el que hace que millones de visitantes acudan de todas partes del mundo al Reina Sofía para verlo. Su precio sería incalculable, dejando de lado que nunca ha sido tasado porque, evidentemente, nunca ha salido a subasta. Pero otras obras de Picasso sí que se han subastado y se encuentran entre las más caras del mundo, por lo que uno se puede hacer una idea de lo que supondría el Guernica en este ámbito. Algunos ejemplos son: La Rêve (El Sueño), 1932, vendido en 2013 por 155 millones de dólares; Desnudo, hojas verdes y busto, 1932, vendido en 2010 por 106,5 millones de dólares; Garçon a la pipe, 1904, vendido en 2004 por 104,1 millones de dólares; Dora Maar au chat, 1941, vendido en 2006 por 95,2 millones de dólares; Femme aux bras croisés, 1904, vendido en 2000 por 55 millones de dólares; Las bodas de Pierrete, 1904, vendido en 1989 por 51,9 millones de dólares.

Aparece en todas las listas de cuadros más famosos, todo el mundo lo tiene en muy alta consideración, conozca su historia o no, haya visto el cuadro o no. Todo el mundo conoce el cuadro aun sin haberlo visto nunca. Se ha convertido en un símbolo, en un icono que va más allá de la simple obra de arte. Lo que empezó siendo la representación del horror, ahora aparece reproducido en cualquier sitio. Aun así no deja de ser la mejor obra de Picasso, un cuadro que perdurará para siempre.

Enlaces:

Para la película:

http://www.labutaca.net/films/12/elrobomasgrandejamascontado.htm

http://www.filmaffinity.com/es/film523143.html

Para las listas de las obras más caras, las más importantes de Picasso y las más famosas:

http://listas.eleconomista.es/arteycultura/1292-las-10-mejores-obras-de-pablo-picasso

http://losmejorestop10.blogspot.com.es/2010/05/los-cuadros-mas-famosos-del-mundo-las.html

http://www.theartwolf.com/10_expensive_es.htm

Cristina R. L.

Picasso and Braque go to the movies.

Director: Arne Glimcher.

Productores: Mr. Glimcher, Martin Scorsese y Robert Greenhut.

Año: 2008

Duración: 62 Mins

Género: Documental.

País: Estados Unidos.


Picasso and Braque go to the movies
(Picasso y Braque van al cine, podríamos traducirlo) es un título muy revelador y que quizá no hace del todo justicia al contenido del documental. Pues este no solo se centrará en las posibles películas que estos artistas podrían haber visto y que les habrían influenciado -aunque si se comenta su pertenencia a un club de cine- tanto por ser una nueva invención técnica, como por su fin, captar una escena en movimiento, o como por la temática que aborda y la forma de filmar.

Durante la hora en la que atendemos al visionado del mismo, se irán sucediendo las intervenciones tanto de expertos en historia del cine como de historia del arte en un espacio que simula una exposición de Picasso, Braque y su relación con el cine.

A través de estas intervenciones, se establecerán relaciones entre el cubismo que crearon Braque y Picasso y el cine, además de formarse multitud de similitudes temáticas entre lo filmado y lo representado en los cuadros.Estas similitudes temáticas se centran sobre todo en un objeto: el abanico y una temática común y frecuente en la vanguardia cubista de la que son padres estos artistas y en el cine: la música y los instrumentos musicales. Se relaciona la figura del asesino y maestro del disfraz Fantômas con Picasso, a quien le gustaba crear de sí mismo un personaje, y se comenta que Apollinaire y Max Jacob fundaron la Societé des Amis de Fantômas.

Man with guitar, 1911-1912, G. Braque. http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=79048

Man with guitar, 1911-1912, G. Braque.
http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=79048

Fotograma de Sinfonía bizarra, 1909, de Segundo de Chomón.

Fotograma de Sinfonía bizarra, 1909, de Segundo de Chomón.

00643v

Fotografía de un vuelo realizado por los hermanos Wright en 1904 en Dayton, Ohio.
http://lcweb2.loc.gov/service/pnp/ppprs/00600/00643v.jpg

 
 
 

Aunque no será el cine la únicarevolución que se abordará, también se comenta la evolución técnica de la aviación, su relación con la vanguardia y el interés de estos dos artistas por ella, llegando a llamarse a sí mismos Orville y Wilbur -pioneros de la aviación que realizaron el primer vuelo con motor de la historia-.

Del mismo modo que se hace referencia a la Exposición Universal de París de 1900, tomándola como un punto de partida y a través de la cual estos artistas conocerían nuevos medios y nuevas técnicas que les harían evolucionar. Y no solo conocerán en esta feria innovaciones técnicas, sino que también conocerá Picasso el espectáculo de la Danza Serpentina de Loie Fuller.

Como deja claro el título del documental, está dedicado exclusivamente a Braque y Picasso, dejando de lado a sus sucesores. Se comentarán ambas biografías y cómo en el nacimiento del cubismo las obras de estos dos artistas son intercambiables e indiferenciables. Sin embargo, se percibe una cierta predilección por la figura Picasso, dedicándole más tiempo y espacio, quizá por ser un artista más mitificado.

Además, algo que se debe destacar y que, en mi opinión, es una aportación importante, es la introducción de diversos artistas al discurso que explican cómo ven, observan y entienden este trasvase del cine al arte de Braque y de Picasso. Exponiendo también cómo ellos mismos han sido influenciados por el cine. Entre estos artistas tenemos a Chuck Close, Julian Schnabel, Eric Fischl y Lucas Samaras .

Finaliza el documental con una afirmación en voz de Martin Scorsese, quien también abrirá la película, que me ha parecido una conclusión muy acertada en referencia a la vanguardia cubista y su influencia, dice: ‘Cubism was not a style. It was a revolution that instigated a profoundly radical change of form; in fact a radical change of vision itself’.

Enlaces adicionales:

Vídeo de la Danza Serpentina de Loie Fuller: http://www.youtube.com/watch?v=BZcbntA4bVY

Sobre Fantômas: http://www.fantomas-lives.com/ y http://fantomas.popular-roots.eu/

Sobre la Exposición Universal de 1900 de París:

*Página web: http://www.expositions-universelles.fr/1900-exposition-universelle-Paris.html

*Vídeo: http://www.youtube.com/watch?v=n-4R72jTb74

Lecturas complementarias: 

VV.AA., L’Exposition Universelle de 1900, Paris, 2000.

WILLIAM, R., Picasso y Braque: la invención del Cubismo, Barcelona,1991.

Fuentes:

http://www.arthousefilmsonline.com/2009/02/picasso-braque.html

http://movies.nytimes.com/2010/05/28/movies/28picasso.html?_r=1&

Alba S. A.

Picasso y Méliès

El Cubismo es una vanguardia identificable por las perspectivas múltiples, los cuerpos fragmentados, la inserción de letras, números, palabras… Su desarrollo gracias a Picasso y Braque tiene como base los presupuestos de Cézanne sobre reducir la naturaleza a formas geométricas. Sin embargo pueden rastrearse varias similitudes entre Picasso y las películas de Georges Méliès, siempre teniendo en cuenta que se movían en medios distintos, y que el segundo, aunque dio rienda suelta a la fantasía, seguía trabajando con objetos, personas, etc identificables y construidos.

En Dislocation mystérieuses (1901) Méliès, con sus técnicas innovadoras de modificación del celuloide, hace que todas las extremidades de un pierrot se desarticulen y salgan volando para luego volver a su sitio. Picasso en 1913 hizo un montaje en el cual, sobre una tela, pintó una figura de corte cubista a la que añadió unos brazos de recortes de periódico que sujetaban una guitarra de verdad. Delante puso una mesa con una botella de vino, una copa y una pipa (elementos que salen en la película de Méliès). Una vez realizada la fotografía de su obra, manipuló el negativo y la fotografía misma para crear una nueva obra, por ejemplo aplicando líneas con tinta a la figura de la que apenas distinguimos un brazo, el resto queda fragmentado como el pierrot de Méliès.

Fotograma Dislocations mystérieuses, Méliès

fotograma Dislocations mystérieuses, Méliès

Montaje de Picasso

Montaje de Picasso

El tema de las perspectivas contradictorias también es tratado por ambos. Sabemos que en el Cubismo el espacio no se construye de forma tradicional y las personas y objetos se despliegan multidimensionalmente viéndolos desde todos los puntos posibles. Guardando las distancias con esta propuesta rupturista, Méliès en L’homme mouche (1902) protagoniza un baile rodeado a ambos lados de mujeres y de repente, en esa danza desenfrenada, sube por la pared que tiene detrás y hace volteretas. Como en las obras cubistas, Mélies está desafiando a la realidad y nos muestra dos perspectivas: una horizontal en la parte de las mujeres y la vertical cuando le vemos en la pared.

Estas y otras relaciones, como la inserción de palabras o la mezcla de elementos pintados y de la realidad en las películas de Le mélomane (1903, el nombre de las notas musicales formadas por cabezas de Méliès) y Le voyage dans la lune (1902, en la que por ejemplo de unas chimeneas pintadas sale humo de verdad) respectivamente, se pueden ver ampliadas en el libro Picasso: arte y cine (2011) de la Fundación Picasso de Málaga.

Fotografa de Le mélomane, Méliès

Fotografa de Le mélomane, Méliès

Películas Méliès:

Dislocation mystérieuses (1901) > http://www.youtube.com/watch?v=Eca5x5ARryA

L’homme mouche (1902) > http://www.youtube.com/watch?v=yfX1NrmpC-g

Le mélomane (1903) > http://www.youtube.com/watch?v=JV2p1VMP4TU

Le voyage dans la lune (1902) > http://www.youtube.com/watch?v=ku8Cs-ux4UQ

Estefanía R.N

El Cubismo y el cine. II.

Siguiendo con la temática de nuestra entrada anterior, es decir, la relación del séptimo arte con el cubismo, el miércoles tuvo lugar en el Museo Reina Sofía de Madrid una visita comentada bajo el título: Cubismo y cine. La transformación de la mirada.

Durante la misma, se realiza un recorrido por las salas del museo en las que el cubismo, incluyendo sus antecedentes, es el protagonista. Se va observando como el cine fue un factor relevante a la hora de crear una nueva forma de mirar y comprender lo que se observaba. Papel que comparte con el cubismo.

En una de las primeras salas se pone en relación un vídeo de la bailarina Loie Fuller (Danse Serpentine (III), 1897) con el simultaneísmo de Sonia Delaunay. La sucesión de color en los fotogramas, un hecho novedoso que se debe a que el carrete fue coloreado, junto con el movimiento en espiral de la bailarina hace que esté en completa sintonía con el cuadro.

Retrato de Loie Fuller por Frederick Glasier. (1902)

Retrato de Loie Fuller por Frederick Glasier. (1902)
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Loie_Fuller.jpg

Similitudes en la temática se ven reflejadas en el vídeo que dedican los hermanos Lumière a unos jugadores de cartas (Partie d´écarté, 1896) y que nos remiten irremediablemente al cuadro del que se considera el abuelo del cubismo: Cézanne. La gran aportación del cine es el factor tiempo frente a la imagen estática de un cuadro o de una fotografía.

También se comenta la relación del montaje necesario en la elaboración de una película con el proceso de creación de los artistas cubistas. En este sentido, se señala a Méliès por ser el primero en introducir efectos visuales gracias al montaje final de las películas y se comenta como los seguidores del cubismo escogían todos los planos de una imagen y las plasmaban y como también introducían objetos mismos de la realidad dando lugar a la técnica del collage.

Tras comentar algunas obras más se finaliza la visita con el visionado de One week – Una semana-, 1920 de Buster Keaton y además la película del pintor cubista Fernand Léger, Ballet Mécanique -El ballet mecánico-, 1923-1924. Como vemos, la interrelación entre estas artes y sus aportaciones mutuas serán muy importantes y constantes.

Estas visitas se vienen realizando desde enero y finalizarán en abril. Son los miércoles a las 19:15h y los sábados a las 17:00h. Desde aquí os recomendamos la asistencia a las mismas. Para más información, consultar la página web del Museo: http://www.museoreinasofia.es/programas-publicos/educacion/adultos.html

Alba S.A.

El Cubismo y el cine

Mientras que Estados Unidos en los primeros 30 años del S.XX se dedicó a consolidar la industria cinematográfica a través de la creación de los estudios y el desarrollo de los géneros clásicos (comedia, ciencia-ficción, animación…), en Europa apareció un tipo de cine experimental, a partir sobre todo de la I Guerra Mundial, fruto de la mayor influencia que ejercían las vanguardias artísticas, destacando entre todos el cine expresionista.

El Cubismo creado por Picasso y Braque también tuvo su reflejo en el séptimo arte pero no de forma tan evidente. El ejemplo más repetido sobre cine cubista (con aspectos también del Futurismo) es Ballet mecánique (1924) del pintor Fernand Léger y el norteamericano Dudley Murphy, a pesar de que cronológicamente sea posterior al movimiento. Fundamentalmente se caracteriza por la descolocación de los planos, sin ningún orden narrativo, y la descomposición de elementos en ciertas secuencias con el efecto caleidoscópico, creándose la sensación de múltiples perspectivas.

Fotograma Cubism, Robert Gordon

Fotograma Cubism, Robert Gordon

Esta vanguardia no tuvo un mayor desarrollo en el cine. Sin embargo, hoy día se
puede descubrir un corto, Cubism (2009) de Robert Gordon (un director experimental e ilustrador británico) en el que emplea características del Cubismo. Este corto forma pareja con otro llamado Surrealism, basado en este movimiento. Ambos
siguen el mismo patrón: imágenes descompuestas en el primer caso y oníricas en
el segundo que van narrando la creación y desarrollo de estas vanguardias.

Concretamente en el de Cubismo, es muy interesante como construye al hombre protagonista juntando distintas imágenes con las partes de su rostro en movimiento siguiendo el principio de facetación de formas gracias al cual le vemos desde varios puntos de vista, como en los retratos cubistas, y al que va unido el concepto de simultaneidad. Así se crea cierta confusión que también provoca el Cubismo pictórico al no encontrarnos con formas construidas al modo tradicional o una perspectiva clásica. Sin embargo siempre hay elementos que nos remiten a la realidad y que nos dan las claves de lo que estamos viendo (un ojo, una boca, una copa…). Al igual que Picasso y Braque emplearon una paleta más bien monocromática durante la fase analítica, Robert Gordon crea su film en blanco y negro e introduce la palabra a través de la narración como en el periodo siguiente, el sintético.

Fuentes:

http://www.robertgordon.t83.net/#

http://www.youtube.com/watch?v=9SgsqmQJAq0

http://www.youtube.com/watch?v=tEBCJjQKoh0

Estefanía R.N

Las Hurdes, tierra sin pan

Título: Las Hurdes (Tierras sin pan).

Año: 1933.

Director: Luis Buñuel.

Guión: Luis Buñuel.

Producción: Ramón Acín.

Duración: 27 minutos.

A las influencias que hemos señalado con anterioridad, debemos sumar la posible influencia de este documental de Buñuel en la obra de Picasso, donde vemos de la manera más realista y directa el estado en el que se encontraba España allá por la década de los 30 del siglo XX.

Filmada por Luis Buñuel, una de las figuras más destacadas dentro de la historia del cine, quien rodó en 1900 “Las Hurdes, tierra sin panla cual muestra el modo de vivir en la zona de las Hurdes (comarca situada en Extremadura) donde el director muestra las pésimas condiciones en las que dicho asentamiento se encuentra, donde personas y animales conviven por igual en los mismos espacios. Cuyas personas podían portar las mismas ropas durante meses, el sistema de alimentación era pésimo, donde la gente moría por enfermedades que hoy casi parecen desaparecidas, todo un sistema de calamidades que arraigaría en cualquier persona que hubiera visto el documental. En definitiva supondría una especie de ventana hacía la realidad más cruel de la España de 1930.

En ciertos momentos durante el documental Buñuel habla del primitivismo, característica muy arraigada en la obra de Picasso, que lo relaciona con aspectos como las numerosas joyas que lleva el niño alrededor de su cuerpo o en el modo en que las casas están dispuestas: tanto en el modo de división de espacios, decoración, utensilios a usar…etc. A este primitivismo debemos añadir las pinturas primitivistas que en los espacios colindantes se hallaban, otra muestra más de esa influencia de la tradición que podemos encontrar en la obra de Picasso, como serán esas máscaras africanas.

Fotograma película.

Fotograma película.

Otro elemento que creo debe ser reseñable son los barridos que hace Buñuel para presentar al espectador el paisaje que conforma esos pueblos, creados en su gran mayoría por grandes bloques de piedra, los cuales se pueden poder en estrecha relación con los paisajes que pintó Picasso dentro del cubismo, como puede ser Paisaje con Puente de 1909. Bien es cierto que la obra de Picasso es mucho anterior al documental, pero podemos establecer cierta relación entre los paisajes que Picasso pudo ver, quizá muy parecidos a estos, con lo que más tarde plasmaría en sus obras cubistas. 

En definitiva nos hallamos ante un reportaje que abría influenciado en las personas que lo hubieran visto por la dureza de sus imágenes, que no estuvo al margen de críticas como Julio Caro Baroja, pero que de un modo u otro habría influenciado a quien la hubiera visto, pues hay escenas de extrema dureza como son escenas de niños y animales muertos.

Fuentes: http://cultura.elpais.com/cultura/2012/03/09/actualidad/1331317199_221023.html

http://www.filmaffinity.com/es/film595178.html

http://www.luisbunuel.org

Omar.O.C