Picasso and dance. II.

Picasso and dance.

Título: Picasso and Dance.

Tipo: TV movie documental. DVD.

Directores: Didier Baussy, Yvon Gérault.

Duración: 81 min.

Año: 2005

País: Francia.

En esta nueva entrada, nos centraremos en la segunda obra que se encuentra reproducida por el ballet de la Ópera de París: Le Tricorne (El sombrero de Tres Picos).

Ésta está basada en la música de Manuel de Falla para el Sombrero de Tres Picos, novelita corta de Pedro Antonio de Alarcón, la cual encajaba con la idea de los Ballets Rusos de realizar un ballet completamente español tras haber realizado una visita por el país. Se estrenó en Londres en Julio de 1919 en el Alhambra Theater y produjo una explosión de lo español. Nota curiosa de la preparación de este ballet es la necesidad que tuvo el coreógrafo, Massine, de aprender de un bailarín español: Félix Fernández, pasos típicos españoles como era el zapateado. Éste se hizo demasiadas ilusiones con ser una estrella de los Ballets Rusos y al darse cuenta de que su colaboración fue solo como maestro, se volvió loco.

La colaboración de Picasso en esta obra fue, como en Parade, tanto en el diseño del vestuario, del que se conservan muchos bocetos, como en la escenografía. En estos vestuarios se dirá que las referencias son goyescas, se asemejarán a las majas y majos de Goya, además dicha influencia se vio a nivel coreográfico en la escena basada en el cartón del Pelele (a partir del minuto 1:15:00 comienza esta escena en el DVD).

Crea para el escenario un paisaje ideal, serrano y montañoso, en el que el puente va ganando protagonismo y enmarcando dicha escena, frente al paisaje del fondo que va disminuyendo en la evolución de las maquetas y bocetos. En esta creación de Picasso, se advierte, además, la experiencia del collage y sugiere la disposición de los bastidores del teatro trabajando la superposición de planos.

Para el telón de El Sombrero de Tres Picos, también incluirá arcadas, pero ya no serán de un puente sino de una Plaza de toros. En uno de los bocetos no hay nadie, está vacío, pero en el definitivo introduce un grupo formado por un hombre, cuatro mujeres y un niño que vende fruta, en la arena se ve el final de una corrida –se retira al toro muerte- lo significativo es la introducción del espectador como personaje en el telón. El pintor de los decorados de los Ballets Rusos dirá asombrado: “Después de tanto tiempo con la escenografía de Baskt la austera sencillez del decorado de Picasso me resultó asombrosa”.

Nuestro pintor malagueño también participó en la obra de Pulcinella de 1920, estrenada en el Théâtre National de l’Opéra de París y que era un homenaje a la commedia dell’arte de la que habían disfrutado en su estancia en Nápoles. Los primeros diseños que mostró Picasso para la escenografía no gustaron nada a Diaghilev, quien los rechazó de malas maneras e incluso pisoteó. Tras un tira y afloja entre empresario y artista, finalmente, Picasso accedió a volver a realizar la escenografía, esta vez no centrándose tanto en el marco y la idea de teatro dentro del teatro que en los primero bocetos había explotado.

Del vestuario es significativa la máscara, que es herencia de las típicas llevadas por los pulcinellas, polichinelas, tradicionales, las cuales reinterpretó con un lenguaje moderno y muy ligada su escultura cubista, ya observada en los Manager de Parade.

En último lugar, la última creación de Picasso, no debemos olvidar la obra Cuadro flamenco, que se contraponía a El sombrero de Tres Picos, pues no era una estilización de la tradición española, sino los bailes originales. En esta obra no había coreografía ni participaban los bailarines de la compañía, era una serie de danzas -9 danzas típicas españolas: malagueñas, tango gitano, farruca, jota aragonesa, alegría, garrotín grotesco, garrotín cómico y sevillanas- que tenía entre sus bailarines a María Albaicín, El Tejero, La López o El moreno, entre otros bailaores españoles. Se pensó primero en Juan Gris para los decorados, pero Picasso se adelantó y realizó todos los diseños de esta obra. Los decorados propuestos eran una adaptación de los proyectos rechazados para Pulcinella: idea del teatro dentro del teatro. Fachada de un teatro, sucesión de marcos, delante unas pilastras, el techo con un marco, los palcos enmarcados. Éstos son reseñables, ya que uno de ellos es una parodia del cuadro impresionista El Palco de Renoir.

Picasso, en esta serie de colaboraciones, como hemos podido apreciar, se enfrentó siempre al problema de lo popular y de lo español, en gran parte de ellas. Representó, como la Europa decimonónica contempla la españolada, los europeos que inventan y propagan la españolada. Para todo ello, utiliza los medios del cubismo a través de los cuales crea distancia, el como un músico del romanticismo cita una melodía popular, hace lo propio en sus escenografías y vestuarios citando los temas populares. Para el esta representación serán mascaradas.

Fuentes y más información de las entradas Picasso and dance:

Dos fragmentos de las obras que se encuentran en el DVD:

Le Tricorne, La Farruca: 

Le Train Bleu – Elisabeth Maurin, Nicolas Le Riche: 

MURGA CASTRO, Idoia, Escenografía de la Danza en la Edad de Plata, 1916-1936, CSIC-Press, 2009.

VV.AA., Los Ballets Rusos de Diaghilev 1909/1929. Cuando el arte baila con la música, Barcelona; Madrid, Fundación “la Caixa”: Turner, D.L. 2011.

VV.AA., El teatro de los pintores en la Europa de las vanguardias, Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: Aldeasa, 2000.

Otro libro acerca de los Ballets Rusos, esta vez en relación con el artista Mariano Fortuny: OSMA, Guillermo de, Fortuny, Proust y los Ballets Rusos, Editorial Elba, 2010.

Exposición CaixaForum Madrid: Los Ballets Rusos de Diaghilev 1909/1929. Cuando el arte baila con la música:

– Audio: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?view=audio

– Fotos: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?obj=816,c,15644&view=photo

– Vídeos: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?obj=816,c,15644&view=videos

Conferencia de Guillermo Solana “Picasso y los Ballets Rusos” durante el Ciclo: Bajo la estrella de Diaghilev en la Fundación Juan March, 24/04/1997. http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?id=2395

Página web sobre la historia de los Ballets Rusos (destaca por los vídeos que contiene): http://www.russianballethistory.com/

Los Ballets Rusos en el  Victoria and Albert Museum de Londres:

–  http://www.vam.ac.uk/content/articles/0-9/20th-century-ballet-revolution/

http://www.vam.ac.uk/content/articles/d/diaghilev-and-the-ballets-russes/

Instalación del Telón de Le Train Bleu en el Victoria and Albert Museum: http://www.vam.ac.uk/content/videos/i/video-installing-the-le-train-bleu-backdrop/

Exposición en 2009 con motivo del centenario de la creación de los Ballets Rusos en la Houghton Library de Harvard College: Diaghilev’s Ballets Russes, 1909-1929: Twenty Years That Changed the World of Art

En 2008 tuvo lugar una gira bajo el nombre Picasso y la danza a cargo de la compañía Europa Danse cuyo programa estaba formado por las piezas de los Ballets Rusos en las que colaboró Picasso: http://www.artibus.es/content/teatro_picasso.php

Entre Diciembre de 2010 y Mayo de 2011 en la National Gallery of Australia tuvo lugar una importante exposición titulada Ballets Russes: the Art of Costumehttp://nga.gov.au/Exhibition/balletsrusses/Default.cfm

Con motivo de la exposición Picasso & Modern British Art se realizó una conferencia en referencia al trabajo del artista en el ballet, además se han realizado  recreaciones de las obras en las que participó y creación de nuevas piezas a cargo del English National Ballet. Información de esto aquí y vídeos de los ensayos aquí.

Alba S.A.

Picasso y Méliès

El Cubismo es una vanguardia identificable por las perspectivas múltiples, los cuerpos fragmentados, la inserción de letras, números, palabras… Su desarrollo gracias a Picasso y Braque tiene como base los presupuestos de Cézanne sobre reducir la naturaleza a formas geométricas. Sin embargo pueden rastrearse varias similitudes entre Picasso y las películas de Georges Méliès, siempre teniendo en cuenta que se movían en medios distintos, y que el segundo, aunque dio rienda suelta a la fantasía, seguía trabajando con objetos, personas, etc identificables y construidos.

En Dislocation mystérieuses (1901) Méliès, con sus técnicas innovadoras de modificación del celuloide, hace que todas las extremidades de un pierrot se desarticulen y salgan volando para luego volver a su sitio. Picasso en 1913 hizo un montaje en el cual, sobre una tela, pintó una figura de corte cubista a la que añadió unos brazos de recortes de periódico que sujetaban una guitarra de verdad. Delante puso una mesa con una botella de vino, una copa y una pipa (elementos que salen en la película de Méliès). Una vez realizada la fotografía de su obra, manipuló el negativo y la fotografía misma para crear una nueva obra, por ejemplo aplicando líneas con tinta a la figura de la que apenas distinguimos un brazo, el resto queda fragmentado como el pierrot de Méliès.

Fotograma Dislocations mystérieuses, Méliès

fotograma Dislocations mystérieuses, Méliès

Montaje de Picasso

Montaje de Picasso

El tema de las perspectivas contradictorias también es tratado por ambos. Sabemos que en el Cubismo el espacio no se construye de forma tradicional y las personas y objetos se despliegan multidimensionalmente viéndolos desde todos los puntos posibles. Guardando las distancias con esta propuesta rupturista, Méliès en L’homme mouche (1902) protagoniza un baile rodeado a ambos lados de mujeres y de repente, en esa danza desenfrenada, sube por la pared que tiene detrás y hace volteretas. Como en las obras cubistas, Mélies está desafiando a la realidad y nos muestra dos perspectivas: una horizontal en la parte de las mujeres y la vertical cuando le vemos en la pared.

Estas y otras relaciones, como la inserción de palabras o la mezcla de elementos pintados y de la realidad en las películas de Le mélomane (1903, el nombre de las notas musicales formadas por cabezas de Méliès) y Le voyage dans la lune (1902, en la que por ejemplo de unas chimeneas pintadas sale humo de verdad) respectivamente, se pueden ver ampliadas en el libro Picasso: arte y cine (2011) de la Fundación Picasso de Málaga.

Fotografa de Le mélomane, Méliès

Fotografa de Le mélomane, Méliès

Películas Méliès:

Dislocation mystérieuses (1901) > http://www.youtube.com/watch?v=Eca5x5ARryA

L’homme mouche (1902) > http://www.youtube.com/watch?v=yfX1NrmpC-g

Le mélomane (1903) > http://www.youtube.com/watch?v=JV2p1VMP4TU

Le voyage dans la lune (1902) > http://www.youtube.com/watch?v=ku8Cs-ux4UQ

Estefanía R.N

El Cubismo y el cine. II.

Siguiendo con la temática de nuestra entrada anterior, es decir, la relación del séptimo arte con el cubismo, el miércoles tuvo lugar en el Museo Reina Sofía de Madrid una visita comentada bajo el título: Cubismo y cine. La transformación de la mirada.

Durante la misma, se realiza un recorrido por las salas del museo en las que el cubismo, incluyendo sus antecedentes, es el protagonista. Se va observando como el cine fue un factor relevante a la hora de crear una nueva forma de mirar y comprender lo que se observaba. Papel que comparte con el cubismo.

En una de las primeras salas se pone en relación un vídeo de la bailarina Loie Fuller (Danse Serpentine (III), 1897) con el simultaneísmo de Sonia Delaunay. La sucesión de color en los fotogramas, un hecho novedoso que se debe a que el carrete fue coloreado, junto con el movimiento en espiral de la bailarina hace que esté en completa sintonía con el cuadro.

Retrato de Loie Fuller por Frederick Glasier. (1902)

Retrato de Loie Fuller por Frederick Glasier. (1902)
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Loie_Fuller.jpg

Similitudes en la temática se ven reflejadas en el vídeo que dedican los hermanos Lumière a unos jugadores de cartas (Partie d´écarté, 1896) y que nos remiten irremediablemente al cuadro del que se considera el abuelo del cubismo: Cézanne. La gran aportación del cine es el factor tiempo frente a la imagen estática de un cuadro o de una fotografía.

También se comenta la relación del montaje necesario en la elaboración de una película con el proceso de creación de los artistas cubistas. En este sentido, se señala a Méliès por ser el primero en introducir efectos visuales gracias al montaje final de las películas y se comenta como los seguidores del cubismo escogían todos los planos de una imagen y las plasmaban y como también introducían objetos mismos de la realidad dando lugar a la técnica del collage.

Tras comentar algunas obras más se finaliza la visita con el visionado de One week – Una semana-, 1920 de Buster Keaton y además la película del pintor cubista Fernand Léger, Ballet Mécanique -El ballet mecánico-, 1923-1924. Como vemos, la interrelación entre estas artes y sus aportaciones mutuas serán muy importantes y constantes.

Estas visitas se vienen realizando desde enero y finalizarán en abril. Son los miércoles a las 19:15h y los sábados a las 17:00h. Desde aquí os recomendamos la asistencia a las mismas. Para más información, consultar la página web del Museo: http://www.museoreinasofia.es/programas-publicos/educacion/adultos.html

Alba S.A.

El Cubismo y el cine

Mientras que Estados Unidos en los primeros 30 años del S.XX se dedicó a consolidar la industria cinematográfica a través de la creación de los estudios y el desarrollo de los géneros clásicos (comedia, ciencia-ficción, animación…), en Europa apareció un tipo de cine experimental, a partir sobre todo de la I Guerra Mundial, fruto de la mayor influencia que ejercían las vanguardias artísticas, destacando entre todos el cine expresionista.

El Cubismo creado por Picasso y Braque también tuvo su reflejo en el séptimo arte pero no de forma tan evidente. El ejemplo más repetido sobre cine cubista (con aspectos también del Futurismo) es Ballet mecánique (1924) del pintor Fernand Léger y el norteamericano Dudley Murphy, a pesar de que cronológicamente sea posterior al movimiento. Fundamentalmente se caracteriza por la descolocación de los planos, sin ningún orden narrativo, y la descomposición de elementos en ciertas secuencias con el efecto caleidoscópico, creándose la sensación de múltiples perspectivas.

Fotograma Cubism, Robert Gordon

Fotograma Cubism, Robert Gordon

Esta vanguardia no tuvo un mayor desarrollo en el cine. Sin embargo, hoy día se
puede descubrir un corto, Cubism (2009) de Robert Gordon (un director experimental e ilustrador británico) en el que emplea características del Cubismo. Este corto forma pareja con otro llamado Surrealism, basado en este movimiento. Ambos
siguen el mismo patrón: imágenes descompuestas en el primer caso y oníricas en
el segundo que van narrando la creación y desarrollo de estas vanguardias.

Concretamente en el de Cubismo, es muy interesante como construye al hombre protagonista juntando distintas imágenes con las partes de su rostro en movimiento siguiendo el principio de facetación de formas gracias al cual le vemos desde varios puntos de vista, como en los retratos cubistas, y al que va unido el concepto de simultaneidad. Así se crea cierta confusión que también provoca el Cubismo pictórico al no encontrarnos con formas construidas al modo tradicional o una perspectiva clásica. Sin embargo siempre hay elementos que nos remiten a la realidad y que nos dan las claves de lo que estamos viendo (un ojo, una boca, una copa…). Al igual que Picasso y Braque emplearon una paleta más bien monocromática durante la fase analítica, Robert Gordon crea su film en blanco y negro e introduce la palabra a través de la narración como en el periodo siguiente, el sintético.

Fuentes:

http://www.robertgordon.t83.net/#

http://www.youtube.com/watch?v=9SgsqmQJAq0

http://www.youtube.com/watch?v=tEBCJjQKoh0

Estefanía R.N