El cine que vendrá: 33 Días

Son muchas las películas que se han hecho sobre Pablo Picasso y sobre su obra, pero hay algo de lo que no cabe duda alguna: que en los años futuros se harán muchas más. Y será así porque, aun a día de hoy, tras cuarenta años sin el genio entre nosotros, su persona sigue siendo un ente magnético que atrae a todo el que  se acerque y su obra sigue despertando la intriga y el misterio entre los que la admiran.

El proyecto más cercano al presente es el largometraje que Carlos Saura está preparando desde el año 2012 en estrecha colaboración con Elías Querejeta. La dirección corre a cargo del primero, mientras que el guión lo elaboraron ambos junto con Louis-Charles Sirjacq. De la fotografía se ocupará el oscarizado Vittorio Storaro. La película, que fue presentada en el festival de Cannes en 2011 por su propio director, se rodará entre España (en junio de 2012 Saura estuvo buscando localidades de rodaje en el mismo Guernica) y Francia, aunque la fecha de comienzo del rodaje aun no se ha confirmado, es más, debía haber comenzado en septiembre del 2012. Es posible que finalmente se lleve a cabo a finales de este año o a comienzos del que viene.

1937, un Picasso que dirige el Museo del Prado recibe un encargo del gobierno republicano: necesitan un cuadro para el pabellón español de la Exposición Internacional de París. Durante un tiempo no sabe si qué hacer, hasta que en abril de ese mismo año tiene lugar un suceso terrible que le hace reaccionar: la aviación alemana e italiana bombardean Guernica. La noticia da la vuelta al mundo y aparece en la prensa internacional. El suceso da pie a Picasso para pintar un cuadro como nunca antes se había hecho: el 1 de mayo alquila un estudio en la Rue Grands Agustins y comienza a pintar su obra cumbre, el Guernica. Es un periodo de intenso trabajo pero también de cambio respecto a su vida sentimental con la aparición de Dora Maar, una mujer que representa todo lo contrario a Marie-Thérèse Walter, madre de su hija Maya. Maar, además de amante, será fundamental para el Guernica, ya que como fotógrafa profesional, se dedica a fotografiar el periodo de gestación del cuadro. Es muy posible que en la película se incluya la pelea que tuvo lugar entre las dos en el estudio de Picasso mientras éste trabajaba en el cuadro, una escena que ya pudimos ver en Sobrevivir a Picasso (James Ivory, 1996), en la cual además pudimos ver brevemente al pintor en pleno proceso de trabajo.

Lógicamente, el apartado interpretativo al comienzo del proyecto era una incógnita. La idea era buscar tanto actores españoles como franceses, prestando especial atención primero a la figura de Picasso y después a la de la gente que le rodeaba, tanto sus amantes como sus ayudantes, amigos e intelectuales de su círculo. A mediados del 2012 las noticias de la película en la prensa aumentaron considerablemente: Antonio Banderas estaba en negociaciones para unirse al proyecto interpretando al pintor malagueño. Una vez que se convirtió en algo de hecho, las noticias en la prensa internacional también fueron creciendo debido a la fama internacional del actor.

Banderas decidió documentarse a fondo para preparar este personaje de tan magna envergadura, pero no quería quedarse en los libros, en la frialdad del papel y de las biografías. Es por ello que comenzó a tomar clases de pintura, llegando a decir: “Quiero acabar oliendo a pintura, quiero oler a aguarrás, quiero oler a Picasso”. Trabajó el guión tanto en español como en francés. Picasso es una figura que atrae mucho al malagueño, le fascina, y asegura que aunque le  impone mucho, no teme su interpretación. Además de todo eso, llegó a contactar con Paloma Picasso, la hija del artista, para tener un acercamiento a su personaje lo más vivo posible. En muchas entrevistas cuenta que, cenando juntos en Los Ángeles, ella cerraba los ojos para escucharle hablar porque decía que le recordaba a su padre, porque tenía el mismo acento malagueño que el pintor conservaba aun residiendo en París.

Sobre quién interpretaría a las amantes de Picasso en el momento que retrata la película nada se sabía, tal vez que el papel Marie-Thérèse Walter correría a cargo de alguna actriz francesa. Tras las pertinentes negociaciones, en marzo de 2012 se confirmó que Gwyneth Paltrow interpretaría a Dora Maar, figura fundamental para la película como fotógrafa además de amante, ya que documentó todo el proceso de formación y transformación del Guernica. Fue una sugerencia del propio Banderas al director. No hay muchos más actores confirmados. Entre el cast español se puede destacar a Imanol Arias en el papel de José Bergamín y a Bárbara Goenaga en el de una de las ayudantes del pintor malagueño.

Por el momento no se tienen muchas más noticias sobre este filme sobre la gestación del Guernica y las circunstancias que rodearon al pintor y a su encargo en esos momentos. En cualquier caso, la producción cuenta con una interesante página web que contiene un gran libreto de prensa con numerosas noticias sobre la película, los actores, el guionista y el director, incluyendo entrevistas de los mismos. Un gran trabajo de recopilación de información para todo el que quiera saber algo del proyecto. Sólo falta por saber la fecha de rodaje y de estreno de un proyecto que se espera con gran expectación.

Enlaces de interés:

http://www.guernica33days.com/

http://www.imdb.com/title/tt2258237/

http://www.historiadelarte.us/pintores/guernica/pablo-picasso-historia-guernica-1.html

El dossier de prensa así como el cartel lo podéis encontrar en la página web de la película. Aquí os dejo el link directo al dossier:

http://www.guernica33days.com/pressbook.html

Cristina R. L.

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Picasso and dance. II.

Picasso and dance.

Título: Picasso and Dance.

Tipo: TV movie documental. DVD.

Directores: Didier Baussy, Yvon Gérault.

Duración: 81 min.

Año: 2005

País: Francia.

En esta nueva entrada, nos centraremos en la segunda obra que se encuentra reproducida por el ballet de la Ópera de París: Le Tricorne (El sombrero de Tres Picos).

Ésta está basada en la música de Manuel de Falla para el Sombrero de Tres Picos, novelita corta de Pedro Antonio de Alarcón, la cual encajaba con la idea de los Ballets Rusos de realizar un ballet completamente español tras haber realizado una visita por el país. Se estrenó en Londres en Julio de 1919 en el Alhambra Theater y produjo una explosión de lo español. Nota curiosa de la preparación de este ballet es la necesidad que tuvo el coreógrafo, Massine, de aprender de un bailarín español: Félix Fernández, pasos típicos españoles como era el zapateado. Éste se hizo demasiadas ilusiones con ser una estrella de los Ballets Rusos y al darse cuenta de que su colaboración fue solo como maestro, se volvió loco.

La colaboración de Picasso en esta obra fue, como en Parade, tanto en el diseño del vestuario, del que se conservan muchos bocetos, como en la escenografía. En estos vestuarios se dirá que las referencias son goyescas, se asemejarán a las majas y majos de Goya, además dicha influencia se vio a nivel coreográfico en la escena basada en el cartón del Pelele (a partir del minuto 1:15:00 comienza esta escena en el DVD).

Crea para el escenario un paisaje ideal, serrano y montañoso, en el que el puente va ganando protagonismo y enmarcando dicha escena, frente al paisaje del fondo que va disminuyendo en la evolución de las maquetas y bocetos. En esta creación de Picasso, se advierte, además, la experiencia del collage y sugiere la disposición de los bastidores del teatro trabajando la superposición de planos.

Para el telón de El Sombrero de Tres Picos, también incluirá arcadas, pero ya no serán de un puente sino de una Plaza de toros. En uno de los bocetos no hay nadie, está vacío, pero en el definitivo introduce un grupo formado por un hombre, cuatro mujeres y un niño que vende fruta, en la arena se ve el final de una corrida –se retira al toro muerte- lo significativo es la introducción del espectador como personaje en el telón. El pintor de los decorados de los Ballets Rusos dirá asombrado: “Después de tanto tiempo con la escenografía de Baskt la austera sencillez del decorado de Picasso me resultó asombrosa”.

Nuestro pintor malagueño también participó en la obra de Pulcinella de 1920, estrenada en el Théâtre National de l’Opéra de París y que era un homenaje a la commedia dell’arte de la que habían disfrutado en su estancia en Nápoles. Los primeros diseños que mostró Picasso para la escenografía no gustaron nada a Diaghilev, quien los rechazó de malas maneras e incluso pisoteó. Tras un tira y afloja entre empresario y artista, finalmente, Picasso accedió a volver a realizar la escenografía, esta vez no centrándose tanto en el marco y la idea de teatro dentro del teatro que en los primero bocetos había explotado.

Del vestuario es significativa la máscara, que es herencia de las típicas llevadas por los pulcinellas, polichinelas, tradicionales, las cuales reinterpretó con un lenguaje moderno y muy ligada su escultura cubista, ya observada en los Manager de Parade.

En último lugar, la última creación de Picasso, no debemos olvidar la obra Cuadro flamenco, que se contraponía a El sombrero de Tres Picos, pues no era una estilización de la tradición española, sino los bailes originales. En esta obra no había coreografía ni participaban los bailarines de la compañía, era una serie de danzas -9 danzas típicas españolas: malagueñas, tango gitano, farruca, jota aragonesa, alegría, garrotín grotesco, garrotín cómico y sevillanas- que tenía entre sus bailarines a María Albaicín, El Tejero, La López o El moreno, entre otros bailaores españoles. Se pensó primero en Juan Gris para los decorados, pero Picasso se adelantó y realizó todos los diseños de esta obra. Los decorados propuestos eran una adaptación de los proyectos rechazados para Pulcinella: idea del teatro dentro del teatro. Fachada de un teatro, sucesión de marcos, delante unas pilastras, el techo con un marco, los palcos enmarcados. Éstos son reseñables, ya que uno de ellos es una parodia del cuadro impresionista El Palco de Renoir.

Picasso, en esta serie de colaboraciones, como hemos podido apreciar, se enfrentó siempre al problema de lo popular y de lo español, en gran parte de ellas. Representó, como la Europa decimonónica contempla la españolada, los europeos que inventan y propagan la españolada. Para todo ello, utiliza los medios del cubismo a través de los cuales crea distancia, el como un músico del romanticismo cita una melodía popular, hace lo propio en sus escenografías y vestuarios citando los temas populares. Para el esta representación serán mascaradas.

Fuentes y más información de las entradas Picasso and dance:

Dos fragmentos de las obras que se encuentran en el DVD:

Le Tricorne, La Farruca: 

Le Train Bleu – Elisabeth Maurin, Nicolas Le Riche: 

MURGA CASTRO, Idoia, Escenografía de la Danza en la Edad de Plata, 1916-1936, CSIC-Press, 2009.

VV.AA., Los Ballets Rusos de Diaghilev 1909/1929. Cuando el arte baila con la música, Barcelona; Madrid, Fundación “la Caixa”: Turner, D.L. 2011.

VV.AA., El teatro de los pintores en la Europa de las vanguardias, Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: Aldeasa, 2000.

Otro libro acerca de los Ballets Rusos, esta vez en relación con el artista Mariano Fortuny: OSMA, Guillermo de, Fortuny, Proust y los Ballets Rusos, Editorial Elba, 2010.

Exposición CaixaForum Madrid: Los Ballets Rusos de Diaghilev 1909/1929. Cuando el arte baila con la música:

– Audio: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?view=audio

– Fotos: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?obj=816,c,15644&view=photo

– Vídeos: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-ballets-rusos-de-diaghilev-caixaforum-madrid-esp__816-c-15644__.html?obj=816,c,15644&view=videos

Conferencia de Guillermo Solana “Picasso y los Ballets Rusos” durante el Ciclo: Bajo la estrella de Diaghilev en la Fundación Juan March, 24/04/1997. http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?id=2395

Página web sobre la historia de los Ballets Rusos (destaca por los vídeos que contiene): http://www.russianballethistory.com/

Los Ballets Rusos en el  Victoria and Albert Museum de Londres:

–  http://www.vam.ac.uk/content/articles/0-9/20th-century-ballet-revolution/

http://www.vam.ac.uk/content/articles/d/diaghilev-and-the-ballets-russes/

Instalación del Telón de Le Train Bleu en el Victoria and Albert Museum: http://www.vam.ac.uk/content/videos/i/video-installing-the-le-train-bleu-backdrop/

Exposición en 2009 con motivo del centenario de la creación de los Ballets Rusos en la Houghton Library de Harvard College: Diaghilev’s Ballets Russes, 1909-1929: Twenty Years That Changed the World of Art

En 2008 tuvo lugar una gira bajo el nombre Picasso y la danza a cargo de la compañía Europa Danse cuyo programa estaba formado por las piezas de los Ballets Rusos en las que colaboró Picasso: http://www.artibus.es/content/teatro_picasso.php

Entre Diciembre de 2010 y Mayo de 2011 en la National Gallery of Australia tuvo lugar una importante exposición titulada Ballets Russes: the Art of Costumehttp://nga.gov.au/Exhibition/balletsrusses/Default.cfm

Con motivo de la exposición Picasso & Modern British Art se realizó una conferencia en referencia al trabajo del artista en el ballet, además se han realizado  recreaciones de las obras en las que participó y creación de nuevas piezas a cargo del English National Ballet. Información de esto aquí y vídeos de los ensayos aquí.

Alba S.A.

Picasso por Didier Baussy

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http://www.tkshare.com/Picasso—A-Film-by-Didier-Baussy-Oulianoff–2009.html

Título: Pablo Picasso.

Director: Didier Baussy

Género: Documental.

Duración: 1h. 25 min.

Año: 1987.

Es un documental dirigido por Didier Baussy en el que cuenta la vida de Pablo Ruiz Picasso desde que nace en Málaga en 1881 hasta que muere en Francia en 1973. El director comienza haciendo una comparación muy importante entre el artista y el torero, ya que Picasso durante toda su vida se sintió muy identificado con la figura del toro y esa idea de virilidad, incluso sabemos que el año 1957 hace una serie de grabados de la Tauromaquia en honor a lo español y además un  homenaje a esos famoso grabador como es Goya.

 Habla de las distintas etapas de Picasso desde que llega a La Coruña con diez años hasta cuando llega a Barcelona  y de la relación que tuvo con las distintas mujeres que pasan por su vida.  En 1904 que es cuando comienza el periodo rosa aparecen las figuras de los saltimbanquis y de los personajes que representan a los circos, Baussy menciona el cuadro de La familia de los Saltimbanquis en la que aparecen el propio Picasso y el gordo bufón sería Apollinaire, la figura de la mujer sería su primera mujer Fernand Olivier y el resto sería una familia de acróbatas.

saltihttp://picassopayaso.blogspot.com.es/2013/04/el-guernica-de-los-saltimbanquis.html

Posteriormente aparecen Las Señoritas de Avignon que se dice que es el comienzo del cubismo. Con este movimiento Picasso llegará alcanzar una idea fundamental como es la destrucción de la obra. Picasso dice: “todo acto de creación, es antes un acto de destrucción”.

Pero no sólo destacó por sus pinturas o esculturas, sino también por sus obras literarias, de ahí este pensamiento que compara a la obra artística como una obra literaria,“la pintura nunca era prosa sino poesía, se escribe en versos de rimas plásticas. Son rimas plásticas las formas que reverberan entre ellas respondiendo a otras formas o al espacio que las rodea”. Se dice que en 1935 y 1936 se da cuenta de que no puede pintar más y comienza a escribir.  Aunque a Picasso le interesaba la idea de destrucción, nunca llegó a la abstracción de sus contemporáneos,  sólo hay una escultura  que se podía considerar abstracta que la realizó  en 1923 para conmemorar a su amigo Apollinaire titulada, Figure pour un monument à Guillaume Apollinaire.

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http://www.kalipedia.com/popup/popupWindow.html?anchor=klparthis&tipo=imprimir&titulo=Imprimir%20Art%EDculo&xref=20070718klparthis_150.Kes


La moda de los años 30 influyó mucho en Picasso y durante esta época hace retratos de mujeres con unos sombreros extravagantes que le llamaron mucho la atención. Un ejemplo será la esposa del poeta francés Paul Éluard, Nusch Éluard. Hizó una serie de retratos de esta mujer en la que destacan esos famosos sombreros.

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http://www.wikipaintings.org/en/pablo-picasso/portrait-of-nusch-%C3%A9luard-1937

En torno a los años 50, con setenta años de edad comienza a obsesionarse con la idea de fertilidad y empieza a realizar esculturas con los juguetes de sus hijos como es La Mona y su cría de 1951 siendo la primera obra que realizó a través de materiales reutilizados con los juguetes de sus hijos, además vemos una presencia del primitivismo o arte ibérico que tanto había influido a Picasso.

picasso_mona

http://www.telefonica.net/web2/enriquecastanos/picasso_duncan.htm

Durante estos años 50 comienza a mirar artistas del pasado como son Velázquez o incluso los románticos como Delacroix. Destaca Mujeres en Argel  de 1955 y que lo realizó inspirándose en Delacroix sus Mujeres de Argel y ese turbante con influencia de Matisse. Se dice que Matisse muere en el 1954 y que deja a Picasso como legado  sus Odaliscas .

Les Femmes d'Alger, Blog Picassohttp://picassomitologico.blogspot.com.es/2010_10_11_archive.html

Por último, otra idea fundamental esla de porqué fechar las obras, él sabía que en el futuro el hombre al estudiar el pasado, estudiaría personas de tiempos anteriores y que un ejemplo de ello sería el mismo, para facilitar esos estudios siempre las fechaba.

 

Páginas de interés:

http://winsidermexico.com/2013/04/picasso-y-la-moda-de-eugenio-recuenco/

http://www.revistaimprescindibles.com/arte/la-escultura-magicade-picasso

http://servicios.diariosur.es/picasso/toros2.htm

 Miriam M.P.

“El joven Picasso” capítulo 4.

El cuarto y último capítulo de esta miniserie comienza en primavera de 1906 con Picasso y Fernande Olivier en un tren dirección a Barcelona para rencontrarse con sus familiares y presentarlos a su compañera sentimental. Durante ese viaje Picasso le cuenta a su amante que en la primavera de 1895 en Barcelona su padre le lleva a la Cámara de Comercio e Industria dentro de la cual se encontraba la Escuela de Bellas Artes donde su padre era profesor, y este quería que su hijo fuera alumno. Para ello tuvo que realizar tres exámenes, los cuales paso, y consiguió plaza. En estas aulas mantuvo una estrecha relación a Manuel Pajares quien fue un buen amigo.

Fruto de la gran valía del pintor malagueño uno de los docentes, el profesor José Santiago Garnelo y Alda, en cuyo estudio se encontraba una gran cantidad de modelos y distintas personas para retratar, llevo a cabo la obra Primera Comunión.

Primera Comunión

Por estos mismos años también lleva a cabo la obra Ciencia y Caridad, donde toma a varias personas de su familia como modelo para representarlos en el lienzo. Podemos ver el proceso de trabajo de Picasso con la elaboración de pequeños estudios previos para finalmente realizar la obra que se llevo una mención en la Exposición de Madrid de 1897.

Ciencia y Caridad

Tras estas vuelta sobre los pasos de Picasso, volvemos a esa Barcelona de 1906 donde el pintor decide volver a visitar el burdel de Avignon para volver al lugar que más tarde le dará una de sus obras maestras, habla con una de las meretrices (Rosita) a quien narra cómo fue su primera visita que tanto le  impacto y que más tarde plasmara en un lienzo.

A las pocas semanas decide, junto a Fernande, marcharse a un pueblo de los Pirineos, Gosol, en el cual se integra sobremanera en la vida rústica del pueblo, se va de caza, se corta el pelo para vivir como ellos… Importante es la visita que hace a las iglesias románicas donde ve la pintura, escultura y arquitectura de esos años que tanto le impresionan y de gran influencia será para un futuro inmediato.

Harto o quizás cansado de ese tipo de vida, ambos se trasladas en otoño de 1906 a París, donde por fin termina el retrato de la señora Stein, pero el marido le dice que no se parece en nada y que no le gustara, a lo que Picasso contesta “si no se parece ahora, ya se parecerá algún día”. Muestra el poco agrado con el que realizo la obra.

Es en estos momentos cuando Picasso se introduce en algo completamente nuevo que nadie hasta ahora había desarrollado, para ello compra un lienzo de grandes dimensiones, casi cuadrado (244 x 234 cm). Se encerró completamente durante largos meses en su estudio de Montmartre para desarrollar esa gran obra que será el inicio de algo completamente nuevo, lo que se conoce como Cubismo.

Tras unos meses enseña la obra a algunas personas y va de nuevo a una reunión en casa de los Stein donde se encuentra un coleccionista ruso, Braque, Matisse, Derain… quienes critican brutalmente la nueva obra de Picasso diciendo cosas como que lo que verdaderamente pretende es ridiculizar la pintura o que no entienden las deformaciones que realiza de los cuerpos. Un crítico de arte llamado Félix Fénéon le dice a Picasso que mejor se dedique a hacer caricaturas, algo que ya le había dicho su padre años atrás como se muestra en un sueño.

Pasan varios meses y nos situamos en el verano de 1907 en París donde se presenta en la casa de Picasso su siguiente marchante Daniel-Henry Kahnweiler quien se queda sobrecogido al admirar la obra tan criticada de Picasso, como fue las Señoritas de Avignon, alaba la obra y le pregunta por el nombre y le dice que en un principio se iba a llamar Burdel de Avignon, pero que finalmente se llama las Señoritas de Avignon, pero que en realidad el nombre es lo de menos, y algo fundamental es que cree que el cuadro no cree que este acabado. Picasso le habla de las posibles influencias del Greco y de Cezanne. Pero finalmente no se la vende pues quien quiera ver la obra se debe pasar por su taller, así que únicamente le vende la gran cantidad de bocetos que había hecho para esta gran obra.

Las señoritas de Avignon

La serie acaba con una voz en off que narra que la obra estuvo con Picasso hasta 1921 momento en el cual la compra Jacques Doucet que era un coleccionista. Finalmente la obra fue adquirida por el MoMA en 1939 quien la custodia desde entonces.

Fuentes

http://verdadyverdades.blogspot.com.es/2011/05/las-senoritas-de-avignon-picasso.html

http://www.oni.escuelas.edu.ar/2006/GCBA/1158/picasso.htm

http://www.cuscatla.com/cubismo2.htm

Para saber más:

http://www.eldiadecordoba.es/article/cordoba/658720/maestro/joven/picasso/referente/la/pintura/historica.html trata sobre esa etapa de los años 1895 en adelante en Barcelona.

http://verdadyverdades.blogspot.com.es/2011/05/las-senoritas-de-avignon-picasso.html explica de manera amplia y extendida las Señoritas de Avignon.

Omar. O.C.

El robo más grande jamás contado

Un variado grupo de delincuentes de poca monta deciden unir sus esfuerzos delictivos para llevar a cabo el golpe que les haga pasar a la historia. Capitaneados por Lucas Santos, alias “El Santo” (Antonio Resines), el cual ya está harto de entrar y salir de la cárcel, deciden robar una de las mayores obras de arte de este país: el Guernica de Pablo Picasso.

En el furgón que le traslada de nuevo a la cárcel por saltarse la condicional, El Santo coincide con sus futuros compañeros: Zorba, “El Greco” (Manuel Manquiña), un loco que sólo quiere dedicarse a la pintura; Pinito (Javier Aller), que tras trabajar en el circo se dedicó a robar maletas en el aeropuerto; y Windows (Jimmy Barnatán), un hacker que vive con su madre y que es capaz de lograr cualquier cosa con un ordenador.

En las duchas de la cárcel, El Greco descubre en la espalda del Santo una mancha que le recuerda a una de las figuras del Guernica, por lo que deciden robar el cuadro para lograr la fama. Al salir de la cárcel comienzan a tramar su plan con la ayuda de un confidente que se hace llamar Garganta Profunda (Sancho Gracia).

Aun por lo ilusorio que pueda parecer, llevan a cabo su plan y se cuelan por la noche en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía con la ayuda de Lucía (Neus Asensi), la mujer del Santo, que es capaz de cualquier cosa por ayudar a su marido, del que sigue enamorada a pesar de su historial delictivo.

La película no es un buen ejemplo sobre la vida y el arte de Picasso, ya que no se centra en la figura del pintor, pero sirve de excusa para hablar de la importancia del Guernica, su máxima expresión. Y eso se puede hacer tanto desde la perspectiva de obra de arte como desde la de documento y testimonio de las desgracias de la guerra. La película da pie a reflexionar sobre la importancia del Guernica, ya no solo en su momento, sino con el paso de los años, en la actualidad.

La obra de Picasso permanece en la memoria colectiva por su impacto, por la audacia del malagueño al presentar un tema que no era nuevo pero con un carácter totalmente innovador. Por la generalización a ver de forma casi diaria imágenes de guerra y de desastres de todo tipo, el público puede encontrarse en cierta medida anestesiado. Y estamos acostumbrados a este tipo de imágenes gracias a la globalización, a los medios de comunicación, las nuevas tecnologías e incluso el cine. Y es por eso que se puede encontrar personas a las que ya no les afecta el cuadro. Pero gracias a él, el recuerdo de lo que sucedió en Guernica sigue estando vivo, hace que las nuevas mentes se interesen por lo que acaeció el 26 de abril de 1937 en aquel pueblo de Vizcaya.

Ya no es solo la historia en sí (lo sucedido, que por su gravedad se recuerda), es el cuadro el que ayuda a que ese recuerdo persista en la memoria como una llamada de atención para que lo que tuvo lugar no se vuelva a repetir.

Es uno de los cuadros más valorados en todo el mundo, el que hace que millones de visitantes acudan de todas partes del mundo al Reina Sofía para verlo. Su precio sería incalculable, dejando de lado que nunca ha sido tasado porque, evidentemente, nunca ha salido a subasta. Pero otras obras de Picasso sí que se han subastado y se encuentran entre las más caras del mundo, por lo que uno se puede hacer una idea de lo que supondría el Guernica en este ámbito. Algunos ejemplos son: La Rêve (El Sueño), 1932, vendido en 2013 por 155 millones de dólares; Desnudo, hojas verdes y busto, 1932, vendido en 2010 por 106,5 millones de dólares; Garçon a la pipe, 1904, vendido en 2004 por 104,1 millones de dólares; Dora Maar au chat, 1941, vendido en 2006 por 95,2 millones de dólares; Femme aux bras croisés, 1904, vendido en 2000 por 55 millones de dólares; Las bodas de Pierrete, 1904, vendido en 1989 por 51,9 millones de dólares.

Aparece en todas las listas de cuadros más famosos, todo el mundo lo tiene en muy alta consideración, conozca su historia o no, haya visto el cuadro o no. Todo el mundo conoce el cuadro aun sin haberlo visto nunca. Se ha convertido en un símbolo, en un icono que va más allá de la simple obra de arte. Lo que empezó siendo la representación del horror, ahora aparece reproducido en cualquier sitio. Aun así no deja de ser la mejor obra de Picasso, un cuadro que perdurará para siempre.

Enlaces:

Para la película:

http://www.labutaca.net/films/12/elrobomasgrandejamascontado.htm

http://www.filmaffinity.com/es/film523143.html

Para las listas de las obras más caras, las más importantes de Picasso y las más famosas:

http://listas.eleconomista.es/arteycultura/1292-las-10-mejores-obras-de-pablo-picasso

http://losmejorestop10.blogspot.com.es/2010/05/los-cuadros-mas-famosos-del-mundo-las.html

http://www.theartwolf.com/10_expensive_es.htm

Cristina R. L.

Documental Picasso y sus mujeres

Es un documental que nos habla de la vida de Picasso y la relación que tuvo con las mujeres a lo largo de su vida.  Esta historia es contada por tres mujeres: Mª Antonia Rodríguez, Sonia Castelo y Natalia Barceló quieren representar una obra de teatro sobre las mujeres d Picasso y vemos como hablan de ellas intentándolas comprender. Además encontramos como una de sus últimas mujeres, Françoise Gilot nos habla de Picasso y de su relación. Aparece la nieta de Picasso fruto de su relación con Olga Koklova, la cual nos habla de su abuela y además de la última mujer de Picasso que fue Jacqueline Roque.

Como todos sabemos la importancia de la mujer para la pintura de Picasso es fundamental, la aparición de cada mujer abría un nueva etapa en la carrera del pintor apareciendo ésta en todas su pinturas. Cuando la relación se terminaba comenzaba una decadencia en su pintura, una vez fuera del lienzo ellas ya no existen.

Su primera mujer fue Fernande Olivier era una modelo y una mujer muy libre, tras un año de relación comienzan a vivir juntos. Se sabe de los celos de Picasso, e incluso la encerraba para que nadie pudiese retratarla y Fernande escapa para provocarle celos. El problema de Olivier de no tener hijos hará que la relación entre ambos se distancie.  Ella nunca le olvidó e incluso escribió un libro recreando su relación con él en cierta manera no lo había olvidado.  En este momento Picasso está con el cubismo analítico pero cuando su relación comienza a decaer empezamos a ver la presencia de un cubismo sintético que enlaza con su segunda mujer que es Eva Gouel.

Con esta mujer se muda  a una nueva casa a Avignon y en invierno en París. A diferencia de Fernande Olivier, Eva Gouel es una mujer sencilla y frágil. En 1914 comienza la Primera Guerra Mundial es una etapa mala para Picasso porque sus amigos están muriendo y su mujer está muy enferma.

Tendrá varias relaciones durante la guerra una es Gaby Depeyre mujer que trabaja en un cabaret. Otra será Irene Lagut cuya relación tormentosa dura únicamente seis meses. Durante la guerra comenzamos a ver un cambio de estilo hacia un clasicismo, terminando la guerra aparece la tercera mujer y su primera esposa que será Olga Koklova bailarina de la compañía de ballet ruso. Dejará todo por volver con Picasso a París, fruto de su matrimonio en 1918 en 1921 nace su primer hijo Paul. A diferencia de Eva y Fernande, Olga era una mujer lista y culta, introdujo a Picasso en los círculos burgueses pero cansado de ello intenta abandonarla pero Olga se niega, es en este momento en los años 30 cuando comienza hacer retratos monstruosos con el rostro de Olga como es Busto de mujer y autorretrato de 1929.

En 1927 conoce a Marie Thérèse era menor y siempre se mantuvo al margen de Picasso, se dice que fue su amante eterna. En 1935 tienen una hija, Maya, y es cuando abandona definitivamente a Olga.

En 1936 comienza la Guerra Civil española, y es cuando acepta ser director del Museo del Prado. En este momento de la guerra conoce a Dora Maar es fotógrafa surrealista,  mujer complicada e interesante. Introdujo a Picasso en el entorno del surrealismo, y en 1937 cuando Picasso comienza a pintar el Guernica, ella hará el reportaje fotográfico del proceso. Finalmente cuando acaba la guerra su relación comienza a ser muy tensa, de hecho cuando la deja se volverá loca y se la conoció como la mujer que llora.

http://www.javierdelatorre.org/paginas/mujeres%20de%20picasso14.htmhttp://www.javierdelatorre.org/paginas/mujeres%20de%20picasso14.htm

En 1943 conoce a Françoise Gilot que le visita en su estudio durante mucho tiempo, y en 1946 comienzan a vivir juntos. Gilot tendrá dos hijos: Claude y Paloma, será la única que finalmente abandone a Picasso.  Françoise Gilot cuenta en el documental porque Picasso era tan desagradable con las personas, diciendo que era desagradable con la gente que verdaderamente le importaba para poder llegar a lo más profundo de esa persona.

A finales de 1952 conoce a Jacqueline Roque, la cual pasará con él sus últimos veinte años, le separa del resto de mujeres e hijos. Era la mujer sumisa que Picasso quería, tenía lo de todas. En esta época destaca por reinterpretar cuadros famosos, como por ejemplo Las Meninas de 1957.

Por último decir que hay una excepción de mujer retratada y que no fue su amante, sino su gran amiga Gertrude Stein.

Enlaces de interés:

http://www.fundacioncanal.com/4208/ficha-picasso-el-eterno-femenino/?par=exposiciones

http://servicios.elcorreo.com/auladecultura/paula_izquierdo1.html

http://www.cecilgoitia.com.ar/amores_picasso.htm

Blogs relacionados:

http://nousgilot.blogspot.com.es/

http://ellassinpicasso.blogspot.com.es/

Miriam. M.P.

Picasso en stop-motion

Cartel de MinotauromaquiaMinotauromaquia, Pablo en el laberinto (2004) es un corto de Juan Pablo Etcheverry que muestra, en clave de “película de terror”, a un Picasso anciano de plastilina huyendo por un laberinto de un minotauro sediento de sangre que sólo quiere encontrar al artista para recuperar el carboncillo que le ha robado, y de paso acabar con él. Al final, Picasso dibuja su paloma de la paz en la pared y cobra vida, destruyendo al minutauro. Termina saliendo del laberinto y nos muestra más claramente el inicio del corto: un joven Picasso en su taller pintando Las Señoritas de Avignon.

Este corto, que estuvo nominado a un Goya y se expuso en el MoMa, presenta varias cuestiones interesantes. En primer lugar, durante su huida por el laberinto Picasso se va encontrando con varias recreaciones de sus obras: Guernica en llamas y junto a la ciudad elementos de su famoso cuadro (el guerrero muerto, la mujer con la vela que le guía hasta allí, y el caballo con la flecha clavada); Paulo vestido de arlequín que huye hacia su madre, Olga, en la misma postura que en el cuadro Olga en un sillón (1917); algunas paredes del laberinto están construidas con la estética cubista; y hacia el final del corto llega a un espacio donde hay muchísimos de sus personajes reunidos: el escultor retratando a su modelo, el niño sobre el balón y el hombre fortudo sobre un cubo de Muchacho con balón (1905), a Igor Stravinsky como en uno de sus dibujos del malagueño (quien además es el compositor de la música que ha elegido Etcheverry para el corto), entre otros. Fotograma Minotauromaquia 2

 

Mujer llorando- Picasso

Mujer llorando (1937)

Etcheverry va más allá que Picasso, su principal referente cuando estudió Bellas Artes, puesto que todas sus figuras, en un espectro muy amplio de su producción, son verdaderamente tridimensionales y están moviéndose. Han escapado del marco del lienzo o del papel para ser personajes secundarios de la obra de Etcheverry. Más aun, algunas de ellas se han visto modificadas. Por ejemplo el retrato de Stravinsky en blanco y negro recupera el color y la Mujer llorando (1937), que en el cuadro de Picasso sólo muestra el rostro, en el corto tiene todo el cuerpo.

El minotauro se ha interpretado como el lado salvaje y lujurioso de Picasso, su parte de artista genial que, como expresa Sylvie Vautier, “despierta la misma fascinación que su compañero mitológico: admiración y miedo”. Sin embargo en el corto adquiere más las connotaciones del mito clásico: el ser terrible que devora a los jóvenes sacrificados, que persigue a Picasso como si fuera la personificación de los demonios del artista, y que en este caso es derrotado por un Picasso-Teseo. Desde luego el propio artista nunca mató ese lado que formaba parte de su personalidad, por tanto la visión de Etcheverry es opuesta a la visión tradicional de este ser con respecto a Picasso.

El director nos presenta así, con este original corto, el laberinto creador en el que el joven Picasso del inicio y final está introduciéndose desde que pintara su gran obra Las Señoritas de Avignon, desarrollando a lo largo de toda su vida diversos lenguajes que harían de él un artista polifacético y único.

FUENTES:

GÓMEZ GÓMEZ, A. (coord.), Picasso: arte y cine, Fundación Picasso: Ayuntamiento de Málaga, 2011.

http://catalogo.artium.org/dossieres/3/minotauromaquia-pablo-en-el-laberinto

Corto > http://www.youtube.com/watch?v=0VTWWUJvMRo

Estefanía R.N.